El Expreso Polar (2004)

Muy Feliz Navidad a todos mis lectores. Les adelanté en mi último análisis que esperaba tener una buena película acorde a este tiempo. El Expreso Polar, filme animado, logra adecuarse a eso que les decía. Para mi gusto no es particularmente una gran cinta, pero sí es una entretenida alternativa del director Robert Zemeckis que se destaca por su método de animación.

Es Nochebuena y en la quietud de la noche hay un niño que duda sobre la existencia de Santa Claus (para los chilenos el "Viejo Pascuero"). Está pensando en eso, cuando de repente siente un extraño temblor, mira por su ventana e intrigado por lo que ve, sale de su cálido hogar para encontrarse con una increíble sorpresa: un tren junto con un hombre (Tom Hanks), que lo llevará al Polo Norte, acompañado de otros niños con un propósito más que evidente...

Como les dije, El Expreso Polar es una entretenida película. Destaca en ella la aventura; por esto, lo más probable es que los niños van a adorarla, junto con la historia misma, que está basada en un libro infantil, cuyo autor desconozco. Si es una alternativa que de todas maneras querrán ver los más pequeños, los más grandes pueda que se sientan atraídos por el método de animación.

La película usa un sistema en donde los actores no sólo prestan su voz, sino que también actúan. Se trata de la captura de movimiento según Wikipedia; en donde los actores se colocan unos trajes especiales lleno de pelotitas y comienzan a moverse de un lado para otro, para que un grupo de personas procesen esos correteos y logren transformarlos en una cinta animada. El resultado es mucho más cercano a nuestra realidad en cuanto a los movimientos de los personajes, a pesar de que carezcan de cierta fluidez (según yo). Una futura producción que se estrenará el 2011, que tengo entendido que usará esta técnica y de la cual tengo altas expectativas, es la película que Steven Spielberg tanto ha deseado hacer: The Adventures of Tintin: Secret of the Unicorn, sobre el reportero creado por el artista belga Hergé.

EL Expreso Polar rescata valores como la fe por algo; en la confianza sobre lo que creemos. Ahora que lo pienso, puede que esta película sea una especie de road movie; esas cintas sobre personajes que viajan por una necesidad interior y/o exterior (tengo entendido que es algo así). En ese aspecto El Expreso Polar transmite un positivo mensaje.  Piénsenlo.

Los personajes son interesantes y cada uno se caracteriza por algo en especial. El protagonista es alguien que pasa por un periodo de dudas. Amigos que conocerá poseerán diversas personalidades; resaltando una niña muy valiente y también muy generosa.

En definitiva, El Expreso Polar es una entretenida película para todas las edades, con una animación bastante particular y que sirve para pasar un buen rato por estos días.  Veánla aunque sea el 26 de diciembre o a mediados de junio. Nuevamente Feliz Navidad y acuérdense de sus seres queridos si no quieren recibir carbón el próximo año. Hasta la próxima.

La foto es cortesía de la NASA, tomada de Wikimedia Commons y correspondiente al director Robert Zemeckis.

Sunshine: Alerta Solar (2007)

En un futuro que no se encuentra lejano, el Sol se encontrará agonizando. La única esperanza para evitar esta catástrofe será enviar al Icarus, una nave que contiene toneladas de explosivos para resucitar a nuestro Astro. Esa misión fallará. La única esperanza recaerá entonces, en otra misión que será enviada siete años después: el Icarus II... la cuenta regresiva ha comenzado y el Icarus I no será algo que pase desapercibido para la nueva tripulación.

Sunshine: Alerta Solar es una película de ciencia ficción dirigida por Danny Boyle que se constituye como una obra maestra del género; pues logra crear una atmósfera única, si Avión Presidencial se destacaba por esto, Sunshine le gana por lejos (pero aún así el film de Harrison Ford no deja de ser entretenido). Todo gracias a un factor por el cual esta película se encuentra en este blog: la excelente dirección.

Así es, Sunshine es excelente porque Boyle la dirigió bajo un estilo único, que (según mi opinión) escapa de lo típico. La película no se aleja de la línea de presentar un acontecimiento tras otro hasta llegar al final; lo que resalta es la forma en que hace eso.

Lo siguiente que voy a comentar es algo típico mío y ojalá me lo perdonen, pero la dirección se extiende a dos puntos centrales en la historia: el suspenso y la música.

El suspenso de la película se debe a su atmósfera densa como dije al principio, pues esa sensación de inseguridad por los acontecimientos que les suceden a la tripulación mantiene al espectador pegado a su asiento hasta el final. También el suspenso se refuerza por los primeros planos que usa Boyle para distintas situaciones estresantes.

La banda sonora es algo que me gustó mucho. Fue compuesta por John Murphy, quien logra crear con sus notas vanguardistas y nerviosas, un nivel de suspenso mayor. Esas "notas vanguardistas" se mezclan (me parece que no en todos, sino que en algunos casos por lo que recuerdo) con sonidos más tradicionales y el resultado es genial: si es espacio es  como un vacío gigantesco, y si también simboliza progreso por las naves que lo atraviesan (quizás), el compositor lo describe muy bien con su música con sonidos bajos y modernos, sin olvidar el acompañamiento de instrumentos más clásicos. Murphy tuvo la colaboración de un grupo de música llamado "Underworld".

Esos dos puntos más la estupenda dirección hacen de Sunshine: Alerta Solar una cinta fuera de lo común. Y si quisiera destacarla aún más debería centrarme en la historia. El guión es extraño (estamos hablando de ciencia ficción), pero muy bien llevado a cabo (por la dirección). La historia es buena y en este sentido, el Sol para la tripulación adquiere un significado para casi todos (o todos). Sobre esto, en especial se destaca un personaje: un psicólogo que se obsesiona con nuestra Estrella. Tiene un diálogo muy interesante al comienzo de la película en donde da su punto de vista del Sol.

Y cómo no voy a mencionar los efectos especiales si estamos hablando de una producción de esta índole. En primer lugar debo decirles que vi esta película tres años después de su estreno en los cines, por lo que la percepción de los efectos se ve alterada por ese lapso de tiempo. Sin embargo, salta a la vista inmediatamente el esplendor del Sol; elemento esencial en el film y el Icarus está bien diseñado y es bastante original. Buenos efectos en general, pero debo reconocer que se ven algo "digitales".

En fin, Sunshine no puede pasar inadvertida para los amantes de la ciencia ficción; la deben ver. Sin embargo debido a la cruda violencia de ciertas escenas y a algunas groserías, la película es para adultos. 

Que todos tengan un buen final de año y Navidad. Espero tener una  buena película acorde a esta época del año para recomendarles.

El Viaje de Chihiro (2001)

Este fin de año me he portado mal; porque hace tiempo no he actualizado Cine para Cinéfilos. Por lo mismo, para "compensar" los malos tragos que les he dado (en cierto modo lo espero, porque significaría que tengo seguidores fieles, y hacia ellos, en ese caso, mi más profundo respeto y gracias), hoy analizaré una obra maestra del séptimo arte nipón. Como verán por el título, no se trata de cualquier película, sino de una del director Hayao Miyazaki galardonada en muchísimas partes.

El Viaje de Chihiro cuenta la historia de una niña miedosa y más bien taciturna que se está mudando. Mientras viajan en el lujoso auto de su padre, este toma un camino distinto y llegan a un túnel que deciden cruzar a pie. Cuando salen a la luz se encuentran con un lugar distinto, lo recorren y llegan a un poblado vacío. Entran en un restaurante y haciendo caso omiso a Chihiro, los padres empiezan a comer los deliciosos platos que se les presentan terminando ambos en un resultado nefasto: se convierten en cerdos. La tarea de salvarlos recaerá en Chihiro, que deberá trabajar en un sauna para deidades niponas, dirigido por una bruja de hermosa nariz.

Este film lo vi en el colegio con un profesor lo iba explicando, puesto que está llena de metáforas y signos. De hecho, es posible notar esto desde el comienzo con el auto que maneja el padre y la misma personalidad de este; el auto es un símbolo del progreso, de la Ilustración de Occidente (no es un modelo japonés, característica que salta a la vista) y esto es solo un ejemplo, pues también es posible encontrar otros en la conversión en cerdos de los progenitores de Chihiro, referido a la globalización occidental y al consumismo (entre otras cosas quizás). 

Chihiro como personaje sobresale un montón. Su evolución es notable y todo bajo el contexto de la película, que se muestra recelosa a la Globalización. Puede que no la ataque directamente, pero sí hace notar sus peligros o falencias.

Hay otros personajes muy interesantes y esto con sobradas razones; ya que al transcurrir en su mayor parte en un lugar donde se ven por todos lados criaturas míticas, hay varias que no pasan desapercibidas. Una de ellas es un tipo de negro, y un poco fantasmal, al que llaman algo así como "El sin Cara"; un ser problemático y de un apetito voraz. También está Haku, un joven que ayudará a Chihiro a insertarse en ese extraño mundo al que llega y que guarda un secreto importante.

Sobre aspectos más técnicos sobresale la animación, los dibujos y los paisajes de fondo, así como también su música, cosas que el profesor también destacó. En general, con esta película se puede afirmar que en Japón las cosas se hacen bien con dedicación. Solo basta fijarse que en esas características la película es muy detallista; hasta las cosas menos visibles probablemente están hechas con esmero.

El Viaje de Chihiro es una estupenda película y es para todas las edades, pero que  debido a su complejidad, apreciarán mejor los más grandes. También es ideal para aquellos de gustos más exigentes y amantes de lo oriental en general.

Algo más antes de terminar: quizás no lo hayan notado, pero traté de usar las nuevas sugerencias de la Real Academia Española, a ver si lo notan en los "solos" que usé.

La foto de Miyazaki pertenece a Thomas Schulz y la saqué de Wikimedia Commons.

Avión Presidencial (1997)

Hoy, Cine para Cinéfilos, les brinda una estupenda película llena de acción y suspenso. Se trata de Avión Presidencial, dirigida por el alemán Wolfgang Petersen. Quizá no sea una cinta que se codee entre las grandes de la Historia, pero se le debe reconocer que logra atrapar al espectador ¿Por qué?, ya podrán darse cuenta cuando lean mi análisis.

Luego de un viaje a Moscú, el Presidente de Estados Unidos, James Marshall (Harrison Ford), vuelve a su país junto a su familia a bordo del Air Force One (obviamente), el avión presidencial. Aeronave que será secuestrada por unos terroristas fanáticos del régimen de un dictador que los norteamericanos, en conjunto con las fuerzas rusas, pusieron tras las rejas. Será "misión" de Marshall acabar con los terroristas, que están encabezados por un tipo (Gary Oldman), muy peligroso.

Algo que primeramente cabe destacar de esta película es su incesante acción. Así es, porque tras cada problema le sucede otro. Y no vamos a decir que los malos son "santas palomas", pues como buenos terroristas que son, son capaces de todo por su "ideal"; por lo que el presidente, un veterano de Vietnam, se tendrá que hacer cargo de la situación.

A la vez, el suspenso es algo constante en el film, y también es algo que está hecho a la perfección, porque se preocupa de ciertos detalles, por pequeños que puedan ser. Y, como en muchas películas comentadas en Cine para Cinéfilos, la música es algo esencial en la creación de una atmósfera ideal como la que consigue Avión Presidencial.
 
Así es, porque la atmósfera del film se apoya enormemente en sus notas, que van desde lentos sonidos para escenas críticas, a rápidas y fuertes piezas musicales para aquellas que lo necesitan. También, el tema principal es excelente, me gustó mucho; está lleno de patriotismo y energía. A Jerry Goldsmith se le deben las obras musicales que son sencillamente geniales.

La trama es muy buena; los giros del guión están muy bien hechos y gran parte resulta creíble; ya que quizá hay puntos referidos al realismo en que la película falla, pero no es una razón por la cual podamos aporrearla. La película entretiene mucho y eso basta. De todos modos, es una acción que no harían los amantes de las historias políticas, ya que esta cinta es ideal para ellos.

Sobre este punto es interesante remarcar ciertas cosas, como es el hecho de colocar los intereses políticos sobre los morales, problema que plantea la película. Así por ejemplo, se van desarrollando ideas a lo largo del film y que le resultan importantes para su "armonía argumental" (por no usar la palabra desarrollo). Puede que Avión Presidencial aproveche de denunciar ciertas cosas introduciendo en ella este elemento; fíjense especialmente en un personaje que se encuentra con la Vicepresidenta (Glenn Close); en sus modos de hablar, de moverse e incluso en su mirada.

Los personajes están muy bien interpretados; Gary Oldman se luce en su rol; encuentro que su papel como ruso es realista. Harrison Ford también se destaca y hay diálogos que también son muy buenos, así como otro que es innecesario y prescindible.

En resumidas cuentas, Avión Presidencial es una entretenida película, llena de acción y suspenso, con una muy buena banda sonora y muy bien hecha. Pero que no va poder ser disfrutada por todos, porque es necesario dejar en claro que por algunas groserías, su gran cantidad de violencia (sobre todo esto) y el contexto de ésta, que es para jóvenes adultos. 

Hablo de contexto, porque es necesario saber que no es lo mismo mostrar que un padre cometa el deplorable acto de pegarle con saña y sin motivos a un hijo, que un ladrón mate de un disparo a su víctima en una obra audiovisual. A pesar de que este último suene posiblemente más violento, el primero le gana inmensurablemente debido a que es una abominación que un progenitor haga tal con una criatura con la que está unida por un vínculo superior al de la simple amistad, aún cuando un asesinato sea muy terrible. Disfrútenla los que puedan.

La imagen es cortesía de Gavatrón, fue tomada de Wikimedia Commons y adaptada para su uso.

Una Serie de Eventos Desafortunados (2004)

Una Serie de Eventos Desafortunados es una entretenida comedia algo siniestra, que pasaré a relatar a continuación.

La cinta, basada en los libros de Lemony Snicket, cuenta la historia de tres hermanos huérfanos, Violet, Klaus y Sunny Baudelaire, que llegan a la casa de su tío, el Conde Olaf (Jim Carrey); un siniestro personaje que querrá matarlos, para quedarse con la herencia de ellos.

Esta película, de Brad Silbering, destaca mucho por su fotografía; todo su entorno es oscuro y muy especial; podemos notar esto en la vestimenta de los personajes, en sus los colores y en los del mundo presentado. También en la ambientación cronológica podemos notarlo; porque a pesar de dar la impresión de ser una historia que transcurre a principios del siglo XX, combina cosas de otros años; cosas que supuestamente en esos tiempos no existían. En definitiva, ambientada en un mundo gótico (no sé donde lo vi, pero es algo confirmable).

El humor de la película está marcado por "levemente" por siniestro, y es algo que trata de dejar en claro desde el comienzo, siendo el autor de los libros el responsable de esta explicación (tengan presente que es un actor el que encarna al escritor), con una escena bastante divertida, pero que desconcertará a más de uno, al principio. Puedo decirles que también es un trozo del film que en cierto modo, a pesar de que pueda no parecerlo, se relaciona perfectamente con el aire gótico que posee.

El hecho de que el autor sea el que relata la película, a medida que la escribe, es algo también muy interesante. Nunca se ve totalmente, sino sólo una sombra suya, reforzando la especial ambientación del film.

Sobre los personajes, destaca Olaf como un hombre jocosamente malvado; despiadado podríamos decir. También entre los hermanos las personalidades ison nteresantes: Violet es una inteligente joven, Klaus también, pero más intelectual. Sunny es una pequeña niña que apenas sabe hablar, pero muy carismática.

La música es muy buena. Fue compuesta por Thomas Newman y tuvo una nominación al Oscar por ella (IMDb). La primera composición (me parece que es la primera) que acompaña a los créditos me gustó mucho.

En definitiva, una buena película, apta para todo público, que destaca enormemente por su ambientación. Véanla si tienen la oportunidad.

Soy Leyenda (2007)

Debo reconocer que hace dos semanas no he publicado nada, pero eso se debe a que no he tenido el tiempo necesario para sentarme a escribir sobre una nueva película, problema que hoy soluciono; porque les comentaré una que trata un interesante tema; tema acerca del último hombre en la Tierra..., cosa que es difícil imaginarse, pero que en esta cinta de ciencia ficción se materializa hasta cierto punto (ya lo leerán ustedes) y con el buen resultado de entreternos.

Will Smith interpreta a un científico llamado Robert Neville, inmune a una enfermedad que ha causado estragos a lo largo del mundo, razón por la que podríamos decir que está completamente solo... a excepción de unas criaturas que son el resultado de la enfermedad: seres irracionales, peligrosos y vulnerables a la luz, y por las cuales, aún así, busca la cura...

Puede que el elemento de los "zombies" en esta obra, dirigida por Francis Lawrence, sea algo que cause cierta reticencia entre ciertos espectadores, pero que no resulta tan terrible finalmente, puesto que Soy Leyenda se maneja muy bien, siendo sostenida en su mayor parte por un solo actor; Will Simth.

Digo "en su mayor parte" porque una característica interesante de esta película es que cuenta el drama del personaje a través de flashbacks de los momentos en que la enfermedad empezó a propagarse; vemos así reflejados, probablemente con mayor fuerza, su frustración y dolor; sentimientos que nacen de una triste promesa que no fue capaz de cumplir.

Sobre el suspenso, puedo comentar que está bien logrado, y obviamente se da más que nada en las horribles criaturas; que se pueden describir fácilmente así: se mueven en masa, gritan horrorosamente y sobre todo -como todo buen zombie debe hacer, para ser lo que es en su "vida"- comen carne fresca... un motivo más por el cual Neville se deba defender de ellos con los "métodos adecuados" para destruirlos; cosa que en cierto modo es razonable, a pesar de que trate de buscar una cura para ellos.

Entre el suspenso y el drama, si tuviera que decidirme por uno de ellos, me quedaría por el último, pues el personaje de Neville está bien trabajado e interpretado por Smith; una gran actuación, porque realmente logra sostener casi toda la película sin nadie más que él, tal como he leído en revistas y diarios.

En síntesis, una buena película (quizás con un único defecto algo extraño que no mencionaré, pero que ustedes podrán notar cuando la vean); que constituye una opción acertada para ver con amigos y pasar un buen rato. Disfrútenla, pero solamente los jóvenes en adelante por la violencia en pantalla.

La imagen es de Paul Stanley y fue adaptada para su uso.

Casablanca (1942)

A Cine para Cinéfilos le faltaba alguna película romántica, y por eso mismo, hoy día les voy a comentar Casablanca, un gran clásico y un estupendo drama que a la vez resalta por algunas dosis de humor, dirigido por Michael Curtiz.

En plena Segunda Guerra Mundial, un rudo americano llamado Rick Blaine (Humphrey Bogart) mantiene un bar en la ciudad marroquí de Casablanca. Su vida se verá alterada cuando llegue entre su clientela, una mujer (Ingrid Bergman) junto a su marido. El problema será que aquella mujer, llamada Ilsa, fue el centro de su vida hasta que un día, por medio de una carta, le decía que lo abandonaba.

Casablanca, es una película que está muy bien dirigida; al contar y saber manejar muy bien el drama. Sus diálogos son precisos, algunos de ellos memorables, y todo sobre el apoyo de la Guerra, dándole más profundidad a la historia.

Las actuaciones son muy buenas; en especial la de sus dos protagonistas; Bogart y Bergman. Y analizando sus personajes, algo que me gustó mucho de este film es que es una historia "respetuosa" en cierto modo; hay una caballerosidad latente; muy bien explicitada por ellos, algunos de los cuales logran causar empatía por parte de los espectadores. Son personajes muy bien llevados a cabo; que están modelados con el cuidado que un artesano pondría en sus creaciones.

Casablanca posee a la vez una excelente cuota de humor, dado por situaciones puntuales muy bien hechas, donde nuevamente son los personajes los principales responsables. En este plano los secundarios, diría yo, pues igual la vi hace tiempo, son los principales responsables.

Ya terminando, les comento que la música es excelente, y muy conocida quizás. El responsable tras las composiciones es Max Steiner; él, con sus notas tristes más la combinación de las imágenes, imprimen momentos magistrales, escenas que diría yo, han sido la fuente de parodias de otras obras audiovisuales. Lo más probable es que si la ven, algunos reconozcan ciertos momentos.

Como dato divertido, no me acuerdo donde lo leí, les digo que Humphrey Bogart era más bajo que la actriz Ingrid Bergman, por lo mismo, debía estar parado encima de un cajón o una superficie elevada en las escenas en donde aparecían juntos. Curioso, ¿no creen?.

Recapitulando, Casablanca es una excelente película; un drama estupendo. Realmente imperdible. Tienen que verla. El público apropiado es de jóvenes en adelante.

Mis citas son de Wikipedia para el nombre del director, el del compositor y el de los personajes, más el verdadero nombre de Ingird Bergman (este último no me lo sabía). No me acuerdo de estos "detalles" (así es, entre "comillas") porque es un film que vi hace bastante tiempo atrás.

Cuenta Regresiva (2009)

La película empieza en 1959, cuando unos niños escriben, por mandato de su profesora, mensajes, posteriormente enterrados en una cápsula del tiempo, que sería abierta cincuenta años más tarde. Cumplido el tiempo, un niño llamado Caleb recibe uno de estos, que resulta ser una extraña lista de números que no parecen tener mayor sentido, hasta que su padre, John Koestler, profesor del Instituto Tecnológico de Massachusetts, le descubre su escalofriante significado; fechas de accidentes que sucedieron y... otros que están por venir.

Alex Proyas dirigió esta gran película, que maneja de excelente forma el suspenso, ayudado por los movimientos de cámara, las cuotas de acción y por su música, compuesta por Marco Beltrami; y entre ellas hay una que me gustó mucho, y que fue usada en una persecución con un resultado único. Realmente muy bueno. En otras escenas hay un sutil nerviosismo, muy bien representado por Nicolas Cage con sus buenas actuaciones.

También el drama, e incluso el terror, están muy bien pintados en la película. Referido a lo del drama, podemos ver la triste situación de John, un padre que ha enviudado y que ha perdido la fe, y que su único apoyo es su hijo, un hijo que protegerá ante cualquier peligro.

En cuanto al terror, este se da en situaciones puntuales que se combinan con el suspenso con buenos resultados. Claro ejemplo de ello se da con unos extraños sujetos que empiezan a merodear por los alrededores de la casa de John y Caleb...

Por último también está el misterio; elemento que es tratado con maestría, y que afirma al espectador a su asiento hasta el final. Ayuda también a esto el hecho de que la película no carece de un ritmo lento y que no decae en ningún momento.

Sobre el género que trata Cuenta Regresiva, la ciencia ficción, opino que es bastante interesante, pero algo extraño, pues a ella se le añade un elemento que finalmente le da originalidad a la cinta e incluso un tono más dramático. Fue una apuesta interesante, y que si bien puede desentonar al principio, no pasa por algo malo.

Los elementos que conforman a Cuenta Regresiva hacen de ella una gran película; ágil y nerviosa, y una buena opción para entretenerse sin tanto simplismo quizás, pero que lamentablemente tiene un diálogo obsceno totalmente innecesario, que por suerte es corto. Es una cinta para jóvenes en adelante por esto y la acción en pantalla.

La imagen (un recorte) de Nicolas Cage es cortesía de Nicolas Genin, y fue tomada de Wikimedia Commons.

A la Hora Señalada (1952)

A la Hora Señalada es uno de los westerns más conocidos de la Historia. Tiene a su haber unos cuantos premios Oscars (me parece que cuatro), entre ellos Mejor Película y Mejor Actor Principal. Entre algunos amigos he escuchado que tienen una buena impresión de este filme. Y esto es verdad por varias razones. Pero antes, veamos de qué se trata.

William Kane (Gary Cooper) es un sheriff que se está casando. Termina el matrimonio y le avisan que escape de la ciudad, pues un peligroso criminal que había enviado a Washington para ser ajusticiado, va a llegar con un motivo más que claro... y no viene solo; lo siguen unos cuantos matones (entre ellos Lee Van Cleef, de El Bueno, el Malo y el Feo). La gente le insiste que escape, pero Kane es un caballero y no está dispuesto a huir. Se enfrentará ante este villano. Pedirá ayuda entre sus conciudadanos, pero nadie parecerá dispuesto a acompañarlo...

Fred Zinnemann es el director tras esta cinta contada en tiempo real. Característica que le da un dramatismo especial, porque, tal como dijo un amigo, engancha al espectador. El suspenso y el dramatismo están muy bien logrados. Esto se nota principalmente en la gran actuación de Cooper, junto con la de otros personajes secundarios y en la excelente música de Dimitri Tiomkin, que en conjunto forman una atmósfera des desesperanza.

En este punto es interesante detenerse. Esta película la vi en el colegio y el profesor, luego de haberla terminado, empezó a explicarla. Explicarla, pues es una historia que esconde un mensaje con algunas (o todas las) situaciones que la conforman y con los personajes en general. Por ejemplo, el hecho que de Kane quiera combatir y no arrancar como cualquiera de nosotros lo haría en una situación así, es una exhortación a hacer lo mismo, pero en el marco de aquellos años, en que Estados Unidos y Rusia estaban en la Guerra Fría (no hubo combate alguno en ella, vean el enlace que les dejé hacia Wikipedia). Ante este panorama, los que la vean, conversen después sobre esto. También otras acciones de Kane son representativas. Estén muy atentos en una escena en que pide que lo limpien, no se los diré para no ser un "aguafiestas".

El trasfondo moral también es interesante; pues Kane fue un sheriff siempre al servicio de su comunidad, y cuando necesita desesperadamente ayuda..., nadie es capaz de levantar un dedo casi. Pues es verdad, admitámoslo; es más cómodo ser el "pasivo" de la acción, es decir ser el "ayudado" y no el "ayudador". Es algo, que podría decir que nos pasa a la mayoría. Y en este aspecto A la Hora Señalada deja una moraleja... y visto así, la película sería una fábula que viste de cowboy.

Las actuaciones, como dije anteriormente, son muy buenas. Cooper demuestra un gran talento con su dramática interpretación. Y para resaltar esto están los primeros planos que muestran su atribulado rostro, mientras camina buscando apoyo. Otros actores también dan su aporte con muy buenos diálogos. Un ejemplo de ello se da en una gran conversación entre Kane y un viejo al que le pide ayuda en su problema. Me parece que este era el antiguo sheriff.

Realmente una excelente cinta, que, tal como he visto en otros sitios de internet (que ahora no recuerdo), es un western poco común, que escapa del estándar que siguen muchos otros, y un clásico del género que vale la pena ver. Los que lo hagan no se arrepentirán y pueden hacerlo en familia, pues es apta para todo público.

Toy Story 3 (2010)

Es curioso que empiece a escribir de una película partiendo no por la primera entrega, sino que por la tercera parte. Pero existe una razón que explica el misterio de esta elección: estaba buscando una película más reciente para contrastar las clásicas, que poco a poco iban amenzando con ser lo único que escribía. Eso si, tengan en cuenta, que probablemente la próxima analice una de esa categoría, debido a determinada razón.

Toy Story seguramente es una saga conocidísima por todo el mundo. Son films divertidos que van mucho más allá de lo que podemos ver en la pantalla, como Pixar suele hacerlo (trataré que la próxima cinta animada no sea de esta compañía). En el caso de esta película, reconozco que existían momentos en que no quería que la acción terminara, pues son personajes muy entrañables los que presenta y también porque..., me mataba de risa. Pero bueno, vamos a lo que nos importa.

Andy tiene dieciocho años. Pronto dejará su casa y sus amados juguetes (los que quedan) que pasan la vida encerrados en un baúl. Woody (Tom Hanks) y sus amigos desean únicamente que vuelvan a jugar con ellos..., oportunidad que les llegará cuando accidentalmente sean enviados a una guardería, un lugar que no es lo que aparenta.

Esta obra maestra de la animación, dirigida por Lee Unkrich, destaca por muchas cosas. En primer lugar lo que salta a la vista, y una de las mejores cosas, es volver a ver a los antiguos personajes, tan carismáticos y divertidos, que todavía no pasan de moda. A ellos se les unen otros nuevos, muy destacables y complejos algunos de ellos, como Lotso, un oso de peluche muy especial, ya que es un personaje que da para reflexionar.

Algo que Toy Story 3  sabe hacer es manejar las emociones. Es capaz de ir desde la risa (que no falta en casi ningún momento), pasando por el suspenso, hasta la nostalgia. El manejo que hace con ellas, en conjunto con la potencia del guión crean una historia única, fuerte y que vuelve a colocar a Pixar en la cima de la animación. No es una historia superficial. Es una historia que reflexiona sobre la madurez; crecer, abandonar etapas para acoger a otras, y la dificultad que acaerrea eso, ingeniosamente visto desde los juguetes, que puede que también necesiten madurar.

Esta es una película que le gustará a toda la familia por su ingeniosa maestría, su profundidad en los personajes, situaciones y obviamente, por su chistes. Muy buena,. Una película totalmente posible para verla con amigos, aunque los que se junten tengan 99 años.

La imagen del director es un recorte que saqué de Wikimedia Commons, perteneciente a Nicolas Genin.

Gunga Din (1939)

Supe de esta película hace un tiempo atrás por un diario que estaba promocionando clásicos. El título me llamó la atención, no sabía si había escuchado antes sobre él, pero me quedó dando vueltas, hasta que tuve la oportunidad de verla por televisión. El resultado: una muy buena cinta, una antigua superproducción por sus características (ejércitos, explosiones, panorámicas de luchas), que mezcla en perfecta armonía la acción y la comedia. La mayor parte de los votos de la encuesta de este blog reconoce a este género como el favorito. Gunga Din propiamente tal no es una comedia, pero tiene elementos jocosos que a más de uno le van a gustar. Sino, es una, pero más "tranquila". Pero bueno, mejor les cuento de que se trata:

Son tres historias paralelas. Gunga Din es el nombre de un indio repartidor de agua en un regimiento inglés ubicado en la India, le gusta mucho el tema del ejército y es amigo del soldado Cutter (Cary Grant, en la foto, pero más viejo), quien junto a su colega McChesney, quieren convencer a su compadre, Ballantine, que no deje el ejército, pues va a casarse. Mientras tanto deben lidiar con el tormentoso peligro de los Thug, un grupo indio que venera a la maléfica diosa de la muerte: Kali.

Me llamó la atención el tono humorístico de Gunga Din. Pensé que podía ser algo más seria, y no fue así, primero pensé en un drama, y me equivoqué. Sin embatgo esto no merma la calidad de la película. Tiene pequeñas fallas, pero estas pasan, por su intrascendencia (más que nada son errores conscientes de los realizadores quizás, una de ellas pasa con la mecha de una dinamita y unos actores, una combinación un tanto peligrosa...). Pero volviendo a lo que nos interesa, el humor tratado es muy bueno. Son chistes que sacarán más de una carcajada y esto producto de los tres soldados, especialmente de Cutter y McChesney y el mismo Gunga Din.

Cada uno de ellos se destaca por algo en especial. Gunga es alguien tan inocente como un niño y muy fiel. Cutter es un sujeto un tanto inmaduro y ambcioso, pero carismático. Ballantine es inteligente y más serio, y McChesney va por la misma línea que Cutter, pero es más serio a la hora de trabajar, quizás por su mayor edad. Estos cuatro personajes son muy curiosos. Sus personalidades dan forma a la historia.

Sin embargo, ante tales personalidades (que no cansan para nada), existe un equilibro con el malvado antagonista, jefe de los Thug, grupo o secta, que mata por "el amor a matar". Es alguien inteligente y peligroso. Uno de sus diálogos resalta mucho, se refiere a la guerra y la muerte. Vale la pena reflexionar sobre lo que dice. Armar un cine foro es una buena idea luego de ver Gunga Din.

Aunque no todo el tiempo es humor... hay partes en que alcanza la emotividad de un drama, y en este campo se maneja muy bien. Compruébenlo ustedes.

La música de la película es muy buena, por su instrumentación y los ritmos adecuados en cada escena. Una muy interesante se da con Gunga, quien imita los ejercicios que hace el regimiento. La música lo muestra como un niño, a pesar de que ya no lo es. Y a la vez tiene un ligero toque melancólico, su lado dramático, pequeñísimo quizás y muy subjetivo, pero notorio para mi gusto.

Sobre su carácter de superproducción, puedo decirles que se maneja muy bien. Con agilidad muestra intensos combates y luchas muy bien coreografiadas, cosa que me pareció divertido. Hay escenas realmente impresionantes, donde aparecen cuantiosos ejércitos, a caballo y pie. Quizás haya un truquito por ahí para haber realizado tal hazaña, como haber usado los mismos extras en distintos roles.

Me llegué a acordar de Lawrence de Arabia -mi primera película en el blog-, viendo esto. De hecho puede que David Lean, director de esta última, en algo haya basado sus escenas del ejército árabe viendo Gunga Din, pero supe por un profesor que él se vio influenciado por un director ruso para filmar las suyas. Sin embargo lo que digo no es descartable, ya que pudo haber usado esas dos fuentes. Incluso ahora se me ocurre que Stevens haya hecho algo similar a Lean, pero... ¿Quién sabe?... sólo estoy haciendo suposiciones.

En fin, Gunga Din es un excelente filme de acción y con un humor muy divertido. Una vieja superproducción recomendable para todas las edades (y los interesados por el cine clásico), a pesar de que sea algo violenta.

La foto es de Allan Warren y la tomé y adapté de Wikimedia Commons.

Justo en la Mira (2008)

Esta semana la película es algo más "contemporánea" que las pasadas (y dicho sea de paso: el análisis es más cortito), pues es muy entretenida y maneja muy bien el suspenso.

La acción se desarrolla en España. El presidente de Estados Unidos está allí debido a una alianza con otros países y va a pronunciar un discurso..., cuando de repente, ocurre un atentado terrorista: le disparan. Lo que vemos en la pantalla son ocho puntos de vista de lo acaecido; entre ellos un turista (Forrest Whitaker), una periodista (Sigourney Weaver) y un rudo agente secreto (Dennis Quaid), quien se hará cargo del espantoso caos que reina.

Esta película me gustó mucho. No es perfecta, pero cumple con su objetivo que es entretener. Entretención con toneladas de acción (balas, persecuciones, gritos, etc.) y suspenso ("¿qué rayos pasó?", "¡oh, así que eso era!", "¡nooo!" y otras exclamaciones de esa índole).  Destaca mucho en eso último, como les dije antes, porque la historia se va construyendo de a poco, y de este modo, los espectadores nos quedamos atrapados en el asiento, esparando a ver cómo va a terminar la historia, porque con cada giro se adquiere una nueva perspectiva.

La historia es muy inteligente. Su director, David Travis, supo dirigirla muy bien. Se preocupó de los detalles que la impulsan. Pueden imaginarla como una telaraña. Una telaraña que se va construyendo de a poco ante nuestros ojos. La principal misión del cine es entretener, y esta cinta destaca por eso. Detrás de las cámaras se nota un  gran esfuerzo realizado.

Debo admitir que quizás no se le pueden hacer mayores lecturas, pero me puedo servir de este argumento para colocarla en este blog: el cine nació para entretener. Justo en la Mira en verdad que no es mala opción para escogerla si alguna vez la ven con amigos, o si la están presentando por televisión. Pueden pasar un buen rato con ella, pero debido a la violencia que contiene es para jóvenes y adultos.

La foto, de Dennis Quaid, no es de la película y la saqué de Wikimedia Commons, gracias a la cortesía de Joey Gannon. Adapté la foto para mis necesidades.

El Hombre que mató a Liberty Valance (1962)

Sé que la semana pasada ya hablé de un western. Pensaba no comentar esta película por esa razón, sino hasta un tiempo más adelante, y porque aparte el elenco es casi el mismo. Sin embargo no sabía que otra cinta elegir, y dentro de todo El Hombre que mató a Liberty Valance es una joya que da para hablar...

James Stewart es Ransom Stoddard, un abogado que es atacado mientras viajaba por un facineroso llamado Liberty Valance (Lee Marvin). Lo encontrará Tom Doniphon (el siempre rudo John Wayne) herido, y será llevado a Shinbone, un pueblecito que tiembla al oír el nombre de Valance. Los problemas para Ransom están por comenzar...

John Ford nos presenta esta película de un carácter bastante profundo. Muchos personajes y situaciones tienen un contexto que deben subentenderse. No es un western que se quede ahí superficialmente con el único fin de entretenernos. No, es un western que ahonda en temas que bien podrían ser de política (no pienso mostrarme partidario de algún movimiento). Esto es algo interesante, porque todo va encajando a la perfección. Si bien destaca por aspectos técnicos a los que pronto me referiré, quiero detenerme primero en lo que no vemos de este iceberg, en cosas que probablemente el director tenía la intención de mostrar.

Como quiero conseguir que en este blog pueda invitar a la gente a ver buenas películas, trataré de no dar mayores rasgos del desarrollo de El Hombre que... (ejem... es bastante largo el nombre) para no arruinarles la trama. Sin embargo hay cosas que si se pueden contar.

Una situación destacable se da con un personaje muy interesante; es Pompey, un trabajador negro de Tom. No es un esclavo. La gente lo respeta y lo trata bien. Asiste a unas clases que empieza a impartir Ransom. Hay un momento de la película en que le preguntan como parte la Constitución de Estados Unidos, y la empieza a recitar, pero llega a un punto en que no sabe como es que sigue..., que es que todos los hombres somos iguales. Atrás suyo, colgado en una pared, se encuentra un cuadro del presidente Abraham Lincoln (que bien podría haber estado gobernando en el tiempo en que se ambienta el filme), que se oponía a la esclavitud...

Otra cosa digna de mencionar es a Liberty Valance; un personaje muy singular. Está muy bien interpretado por Lee Marvin y tiene un aspecto bastante estrafalario. Puede simbolizar una idea importante y que debe ser tomada en cuenta. No es un "malo" porque sí. Ustedes lo podrán notar cuando la vean, y no voy a referirme a esa idea ahora, para no arruinarles la película, pero si alguien quiere saber cuál puede ser, deje un comentario abajo y yo le responderé personalmente.

Un detalle interesante se encuentra en que la película está en blanco y negro, esto pertenece a los aspectos técnicos, y es una gran elección no haberla rodado en colores creo yo. La atmósfera conseguida y la historia misma no podían haber sido mostradas de otra manera. Shinbone es un pueblo oscuro y bajo el yugo de Valance, ¿acaso tan feliz panorama podía ser pintado con el hermoso Technicolor?. Es el mismo caso con la espectacular cinta Doce Hombres en Pugna.

La película en sí también es simple. Pero en el buen sentido de la palabra. No presenta grandes escenarios como lo hace Más Corazón que Odio y tampoco una gran historia (esto por lo que he leído, pero la vi y puede que sea verdad), pero el modo en que se desarrolla y los personajes carismáticos que presentan (fíjense en el periodista interpretado por Edmond O'Brien) la hacen única.

El Hombre que... (de nuevo la misma causa) es para todo espectador.

La foto (es un recorte de una más grande), de James Stewart, no pertenece a la película. La saqué de Wikimedia Commons.

Más Corazón que Odio (1956)

Más Corazón que Odio es un western que en su versión original se titula The Searchers. Lo dirigió John Ford y fue protagonizado por John Wayne, Jefrey Hunter y Vera Miles.

Wayne interpreta al frío y áspero Ethan Edwards, un veterano de la Guerra Civil, que llega a la casa de su hermana después de mucho tiempo. Cuando esta sea atacada por los indios comanches junto con la desaparicíon de su sobrina más pequeña, emprenderá una larga búsqueda para hallarla. Una búsqueda en donde lo acompañará Martin Pawley (Hunter), quien tiene ascendencia india. Cosa nada buena, porque Ethan siente un desprecio que cae en el racismo hacia los indios.

Más Corazón que Odio es buenísima. Sabe mezclar el drama, la acción y el humor a la perfección. Destaca también en su aspecto visual, ofreciendo imágenes espectaculares y de excelente calidad y la música de Max Steiner.

Algo que vale la pena mencionar en esta cinta son sus personajes. Todos tienen diversas personalidades. Eso si, sin caer en un muestrario de bichos raros (excepto uno, que ya lo verán). Podemos destacar los casos de Ethan y los indios, también.

Ethan odia a los indios. La búsqueda por su sobrina, Debbie es su nombre, pareciera ir más allá de lo que vemos en la pantalla. Pasan los años y no la encuentran. Aún así no se rinde. Lo que mueve a Ethan puede ser otra cosa. Que lo acompañe alguien como Martin (y tolerarlo, pues su actitud es temeraria e inmadura), ya es un logro.

Los indios son retratados con el clásico estándar de las películas de vaqueros antiguas. Son malos y hasta despreciables, tal es el caso del antagonista Scar, pero siempre abrá alguno que rompa con los cánones que se tiene. Aún así no quiero ofender a nadie, si hay alguien que tiene alguna relación con ellos.

Aprovechando que hace unos meses atrás publiqué el análisis de un spaghetti western (El Bueno, el Malo y el Feo), me parece interesante comparar los estilos entre los westerns italianos y los americanos.

En primer lugar, por lo que he visto en internet y en las películas, y he sabido por unos profesores, se ve claramente un contraste en el aspecto visual. Los westerns italianos son más "sucios", mientras que los americanos no. ¿Cómo es esto?, se puede ver en los edificios y en la ropa. En los primeros, los edificios se ven más desgastados y burdos. En los americanos son pulcros y bien presentados. Con la ropa ocurre el mismo cuento. Las muertes son mucho más exageradas en los italianos también; si disparan a alguien, va a girar sobre si mismo y caer teatralmente. En los otros simplemente caerá sin tanto show. Hay una exageración en la mirada europea del Lejano Oeste; es mucho más dramática.

Pero en fin. Si quieren ver una buena película de vaqueros, elijan esta. Entretiene y también hace reír; algo que también aporta. Para jóvenes en adelante (no todo espectador, como había dicho antes; modificación: 7 de octubre de 2010).

Dos cosas más: La imagen, de John Wayne, no pertence a la película, y espero que les haya gustado el nuevo cambio de la página.