15/12/11

El Arca Rusa (2002)


No sé cómo iniciar este comentario, por eso mismo voy a ir directo al grano con el resumen de esta cinta:

300 años de historia rusa relatados durante 96 minutos en una sola toma continua en el famoso museo Hermitage. Eso es todo; no se le puede pedir más y no se le puede pedir menos a esta película. Si les parece poco añadan a todo eso 2000 actores en escena, 3 orquestas en vivo y 33 salas del famoso museo ¿Qué opinan ahora? ¿Acaso les parece poco?

Y por todo eso no existen palabras adecuadas para definir a este impresionante coloso del séptimo arte. Si es que pudiera haber una que pudiera resumir el inmenso valor artístico que emana constantemente de sus fotogramas, podría ser "SUBLIME" y créanme que no exagero; El Arca Rusa es una de esas obras que rara vez se ven en estos días donde productos comerciales invaden cada vez más los cines y los videoclubes.

Aleksandr Sokurov se luce en su papel de director porque se nota el tremendo esfuerzo por sacar adelante a su película. El museo, que es el Hermitage en la realidad, se lo habían prestado por un día para filmar la cinta, nada más. Tuvieron que partir el rodaje hasta cuatro veces para conseguir un buen resultado. Obviamente no sobrepasaban más allá de 20 minutos, más o menos, pero el gran trabajo que hubo no se ve mermado por eso. Hay una gran factura técnica detrás y una increíble sensación de armonía en todo su desarrollo, ya que casi como un documental, va mostrando todo, pero absolutamente todo con una naturalidad tremenda: los actores están en su lugar en el momento preciso y dicen sus líneas de igual forma. Si hay alguien que se dice cinéfilo no puede dejar de ver esta cinta, porque hay pocas como ésta.

La película tiene características surrealistas. Hay dos personajes, que podrían decirse los protagonistas, de épocas y nacionalidades distintas, que son los que recorren el museo, maravillándose y reflexionando a cada paso con lo que ven, sosteniendo diálogos diversos de lo que piensan y encuentran e incluso encontrándose con gente destacada en la Historia Rusa.

No le puedo tirar más flores a esta película; tienen que verla. Es una obra magnífica y de grandes proporciones. Se pueden morir mañana, por lo que es mejor que la vayan a ver. Para todas las edades.

11/11/11

El Discurso del Rey (2010)

Aprovechando que el mundo no se terminó este 11/11/11 (menos mal; no es la primera vez que el mundo está a punto de acabarse, pero no cantemos victoria, porque todavía falta la ridiculez del próximo año), y para pasar los sustos, quiero presentar en mi blog la ya muy conocida cinta El Discurso del Rey, que fue la gran ganadora de los Oscar 2011 con cuatro premios: Mejor Película, Actor Principal, Director y Guión Original. Todos muy bien merecidos, ya que esta historia, basada en hechos reales, sorprende por su excelente desarrollo.

Colin Firth (en la foto) interpreta a Jorge VI, monarca inglés que sufría problemas de tartamudez. Para remediar este dilema, su esposa Isabel (Helena Bonham Carter) contrata a Lionel Logue (Geoffrey Rush), un experto para solucionar estos casos, que no sólo ayudará al rey, sino que también forjará con él una sólida amistad que perdurará a través del tiempo.

Sorprendente película es El Discurso del Rey, porque sin mayores pretensiones, captura por sus diálogos y sus excelentes actuaciones, que se manifiestan firmemente en la convincente actuación de Firth como el rey. Lo mismo se puede decir de Rush y Carter en sus respectivos papeles, ya que cada uno aporta firmemente al dramatismo del filme.

Los personajes más notables son los del rey y Lionel. El primero se destaca por su evolución a lo largo de la película. Podemos ver en él a un ser tímido y sufrido que lucha por salir de ese estado del cual está prisionero y Firth logra que simpaticemos mucho con él. Rush consigue lo mismo, pero desde una perspectiva distinta. La personalidad de su personaje es interesante, puesto que tiene ciertas sorpresas que guardar a los otros, aparte de su relajada manera de ver la vida.

Su director Tom Hooper, le imprime a la película un estilo muy particular, marcado por la sencillez, prefiriendo mucho los primeros planos y lo hace bajo un sello artístico notable en cada uno de ellos. Quizás puede faltarle más "acción" a la cinta, pero no se hecha tanto de menos eso, puesto que las escenas no se alargan más allá de lo necesario y la historia está tan bien contada que todo se sigue con interés. Interés que se le debe a David Seidler, el guionista detrás de El Discurso del Rey.

Si no la fueron a ver al cine, vayan a arrendarla o comprarla; es una buena inversión y una película que querrán ver más de una vez. La recomiendo para jóvenes en adelante, puesto que los más chicos se aburrirán. Hasta la próxima.

1/11/11

Contagio (2011)

 
 Después de cinco meses de ausencia he querido volver a escribir en Cine para Cinéfilos a raíz del filme Contagio, obra dirigida por Steven Soderbergh y que acabo de ver en el cine. La impresión que me llevé de ella fue positiva, pero (siempre existen los "peros"), tenía ciertas debilidades que si bien no diluían el esfuerzo tras su realización, si podían resultar un poco aburridos.

Contagio narra con gran realismo lo que sucedería si un letal virus, que se expande rápida y fácilmente, afectara a todo el mundo. Veremos, pues, lo que le sucede a un montón de personajes que luchan contra la pandemia y los resultados que puede en varios aspectos.

Uno de los mayores logros de la película es sin duda la atmósfera que provoca y la inmediatez con que ocurren los hechos. Se podría decir que llega a examinar la posibilidad de la pandemia de una forma fría y metódica; de forma documental, quizás. Hay espacio para que los personajes sufran por sus seres queridos, pero todo lo que ocurre es tratado con realismo y sin censura, de modo que los hechos no están teñidos por una capa de gran sentimentalismo, lo que da paso a impresionarnos por los eventos que ocurrirían en un caso como este.

Podemos concluir así que el trabajo de Soderbergh está muy bien hecho. Sin embargo, hay momentos en que el realismo deja de lado a ratos la peripecia y se limita a mostrar hechos que pueden aburrir un poco. Así, lo que se transforma en su mayor logro, se arriesga a ser una de sus debilidades; es decir en ciertos momentos la cinta se hace algo lenta. Pero sigue siendo destacable el hecho de que el guión gatille momentos de gran tensión, que vuelven a atraparnos.

Analizando más aspectos de la dirección, son notables ciertos montajes de la película o la coloración de ciertas escenas, que bajo un frío tono azul, dan cuenta de aquella atmósfera tensa que transimite el filme. Soderbergh se luce y si tropieza, enmienda su error, porque vuelve a darle la energía necesaria a Contagio para que retorne a su cauce y nos entretenga, de modo que se le perdona esa pequeña lentitud.

Otro punto a favor de Contagio es el trabajo del compositor Cliff Martínez, que se destaca presentándonos piezas musicales electrónicas, que de manera eficiente, ayudan a reforzar esa sensación de inseguridad que rodea al filme, que bajo un villano poco convencional aterra y recuerda al virus H1N1, que es referido en la película, y que causó un pánico similar hace ya dos años.

El factor humano en Contagio es convincente. Actores como Matt Damon, Laurence Fishburne, Kate Winslet y Marion Cotillard entre otros, cumplen muy bien sus roles y no hay tropiezos por parte de ellos, logrando que la película tenga las emociones necesarias, como el suspenso y el pánico que se respira en todo su metraje.

Para terminar, Contagio es un filme recomendable, medio lento, pero que vale la pena ver por su gran dirección y por el realismo de la historia que escribió el guionista Scott Z. Burns. Para jóvenes en adelante. No se la pierdan.

22/5/11

La Quimera del Oro (1925)

Algunos jamás verían una película muda. En estos años de espectacular "sonoridad" y de gran agilidad, ver a personas actuando exageradamente, y más encima sin decir siquiera una palabrita, es considerado una lata. Así de simple, un panorama para aficionados al cine; no  para los mortales comunes y corrientes que ven películas contemporáneas para divertirse. Lo que está bien, porque reconozco que es poco común ver clásicos, pero éstos tienen mucho que ofrecer... sobre todo cuando el genio de Charles Chaplin está detrás del proyecto. Además existe una reedición  de La Quimera del Oro narrada por él... y esa es la versión que vi.

La Quimera del Oro narra la aventura de un solitario buscador de oro (Charles Chaplin, obviamente) en la salvaje tierra de Alaska. Allí encontrará de todo... y como es de esperarse eso irá unido a lo cómico.

Como ya les dije, vi la versión narrada por Chaplin y por lo mismo también me referiré a detalles que la acompañan. En primer lugar, algo que puede resultar una buena noticia para los que quieren ver cine mudo, pero se distraen o se aburren con la usual lentitud de estos filmes, es que la falta de diálogos escritos, hacen que película sea mucho más ágil y por lo tanto más llevadera el hecho de verla. Chaplin no sólo añade su voz, también incluye sonido a las cosas y una banda sonora que él mismo compuso para esta versión de los años 40.

El humor es tan bueno como siempre. Muy ingenioso e impregnado por la inocencia del personaje principal, incluye las más variadas situaciones. Y hablando de los personajes, éstos son siempre muy interesantes, y más tratándose de una película muda; porque se vuelven más expresivos. Esto hace que los secundarios estén bien delineados, aunque no siempre participen muchos en el rodaje (entendiéndose por los "secundarios principales", ya que hay escenas con varios extras).

La película es algo así como una biografía, pues a nuestro solitario buscador de oro, le ocurren muchas cosas (sin tener, por decirlo de algún modo, una trama definida en el sentido en que se presenta un problema que se debe solucionar para volver a un nuevo orden y bla bla bla). Esto que puede volver inconsistente a la historia, con Chaplin no sucede porque en La Quimera del Oro, él incluye con maestría suspenso, acción y romance, en sus medidas justas. En palabras simples: a la cinta no le falta emoción.

Así, La Quimera del Oro es una gran opción para el que quiera iniciarse en el cine clásico. Busquen esta versión. No digo que la original sea mala (no la he visto), sino que ésta por razones obvias es mucho más ágil, por lo que se puede disfrutar más... y en familia, porque es un filme para todas las edades.

La información sobre la versión fue un dato que saqué de Wikipedia. La foto muestra a Chaplin sin su usual vestimenta de vagabundo.

1/5/11

Carros de Fuego (1981)

En mi último análisis recibí dos comentarios. Los agradezco y ahora quiero responderles. Al primer comentarista, que firmó como anónimo, quiero decirle que me parece interesante su aporte. No conozco la serie "Paprika", pero según lo que me dice sobre El Origen, ahora sabemos la fuente que usó Christopher Nolan para hacer su película. Creo que también pudo haber añadido algunos temas literarios a la película ¿cuáles pueden ser?, pueden escribirme un correo pulsando aquí para saberlo (prefiero hacerlo de este modo, para no arruinar el filme a otros que no lo han visto). Es una opinión, que no creo que contradiga el aporte de ese cinéfilo anónimo.

Otro lector, bajo el pseudónimo "J", me ha preguntado si es difícil seguir la trama de la película. Quiero contestarle que sí. La trama es complicada; yo tuve que pausarla y retrocederla muchas veces para entender la lógica que proponía. En el caso de conocidos míos, también me han comentado que les ha parecido complicada, pero que yo sepa no obraron como lo hice yo. Aún así, eso no le quita su espectacularidad; de hecho, creo que es una de las mejores películas que he visto. Recomiendo que la veas "J", es muy, pero muy buena.

Y ahora, dirigiéndome a todos mis lectores, quiero que conozcan Carros de Fuego, una película sobre deportes dirigida por Hugh Hudson. Una historia inspiradora y profunda de dos atletas que se preparan para participar en los Juegos Olímpicos de 1924.

Uno de ellos es el universitario Harold Abrahams (Ben Cross), un judío hijo de un lituano que quiere competir para ser aceptado por la sociedad inglesa. El otro es Eric Lidell (Ian Charleson), un cristiano, cuyo padre es misionero en China, que decide correr para glorificar a Dios. La película está basada en hechos reales.

En esta ocasión quiero mencionar un aspecto que hace tiempo no aparecía en mi blog... ahora verán cuál es.

En Carros de Fuego, lo que resulta muy interesante es la combinación entre la música  electrónica del compositor Vangelis (¿qué les parece?) y el trabajo del director. La película sabe retratar muy bien los momentos más importantes de los personajes; hay primeros planos en escenas previas a la hora de correr. Estas, en algunos casos van acompañadas por notas musicales suaves, pero tensas, que realmente sobresalen por su sonido. Lo que acabo de escribir suena raro, pero Vangelis es un maestro cuando empieza a componer música electrónica; arrancando de sus sintetizadores sonidos muy atractivos. Pero volviendo a lo que nos importa, la escena luce más intensa y los deseos o frustraciones de los protagonistas se enfatizan más.

La película desarrolla muy bien la historia, todo el proceso de entrenamiento, la vida de los personajes, sus conflictos internos y la importancia del deporte. Este último se muestra desde un punto de vista mucho más trascendente. Y es lo normal, porque el deporte sirve para contar historias de superación, de esfuerzo y perseverancia. En Carros de Fuego el resultado es muy bueno. Uno de los personajes, un amigo de Abrahams, es quien va relatando la historia, dándole un estilo más personal a la narración.

Hablando de la narración, esta se muestra de forma elegante, todo muy inglés, puesto que está ambientado en los Juegos Olímpicos, una instancia llena de patriotismo y honor. Aquí nuevamente destaca el trabajo del director, exponiendo ágilmente los sucesos que conforman a la película.

Carros de Fuego es una historia para toda la familia. El filme rebosa de valores y buen espíritu. Es ideal para los deportistas y también para los que adoran la música electrónica, ya que Vangelis es un excelente compositor. En lo personal, puedo añadir que este estilo musical es ideal para representar las emociones, porque los sonidos son más dinámicos, más "manipulables" que los arrancados por instrumentos corrientes y en este filme, las emociones son las importantes. Los que disfrutaron Rudy, deberían verla.

2/4/11

El Origen (2010)

Reconozco que había dicho que iba escribir la semana pasada y no lo hice; no supe distribuir bien mi tiempo. Por tal razón, recomiendo a mis lectores fieles que olviden el mal rato con esta soberbia película de Christopher Nolan (en la foto): El Origen. Un largometraje de acción que difícilmente caerá mal a alguien.

El Origen trata la historia de Cobb (Leonardo DiCaprio), un sujeto que roba información desde una fuente muy particular: el subconsciente ¿Cómo rayos lo hace? Mediante una tecnología especial, es capaz de introducirse en los sueños de las personas y tomar lo que quiera cuando sus defensas son bajas. Es el más hábil en esta "profesión" y por eso es llamado a un trabajo muy particular; esta vez no debe robar algo de la mente de alguien, sino que debe plantar una idea en especial. La taera requerirá trabajo y ayuda de un equipo muy particular.

¿Qué puedo decir de este filme? Es sencillamente asombroso. Creo que nunca había visto algo parecido; la historia es irrepetible y perfecta. Fue escrita por Nolan y la trabajó durante años. El resultado es una obra maestra que tiene elementos que nos identifican a todos, personajes muy, pero muy interesantes y también un manejo de la acción y el suspenso increíbles.

Partamos con la primera característica. Antes que nada, debo reconocer la inteligencia y la solidez del guión. Es una perfecta telaraña que, a simple vista, no deja ningún detalle mirado en menos. En este aspecto, está la identificación con los espectadores, entre otros. Resultará muy familiar para el que vea El Origen notar ciertos elementos que componen la lógica de la trama referido a sus propios sueños. No contaré qué cosas son, pues lo más probable es que el lector que no la haya visto, querrá disfrutarla intacta.  Solamente diré que Nolan se anota su primer punto al preocuparse de esto, dándole un toque más familiar a la acción.

Los personajes son complejos. Están muy bien interpretados y a la vez cada uno tiene algo que los diferencia de los otros. Está el caso de Ariadne (Ellen Page), una joven que tiene una labor importante no sólo en su habilidad para con los sueños, sino que en lo referido a la psiquis de un personaje. Si nos concentramos en eso, es posible encontrarle un significado a la película. Ariadne es una pieza más de ese rompecabezas, pero resulta esencial, porque El Origen parece hacer referecia a un tópico literario. No hablaré más de eso, ya que sólo es una apreciación personal que puede ser incorrecta. Los que quieran saber qué puede ser, escríbanme un correo.

Resulta muy entretenido el desarrollo. La acción destaca muchísimo. A primera vista, la balacera puede verse algo típica, pero después resulta muy buena, porque, como un As bajo la manga, El Origen se vale de su propio mundo para crear la emoción desde una perspectiva nueva, que explota más allá del suspenso y la acción.

Y si de mundos se trata, la ambientación de la que goza es bien interesante. Hay imágenes que me gustaron mucho. Algunas resultarán cotidianas, pero otras destacan por su rareza. En lo visual, en una palabra es excelente. Me gustaría saber qué opinan los que la han visto sobre esto. Escríbanme también si así lo desean.

Espero que les haya gustado mi análisis. El Origen es especial para los que les gusta la ciencia ficción, pero también para aquellos que aman la fantasía. Inteligente en su desarrollo, que siempre se muestra estable, no dejará de gustar a nadie. Por la violencia es para jóvenes en adelante. 

20/3/11

UN AÑO (2010-2011, parte dos)

La semana pasada revisamos las mejores películas desde marzo hasta agosto. Hoy le toca el turno a los meses de septiembre a febrero. Empecemos:

SEPTIEMBRE: la película de Lee Unkrich, Toy Story 3 (2010) otro representante del género animado (recordemos que la ganadora de mayo fue Ratatouille), es una estupenda historia que vuelve a concertar a los juguetes más populares del cine, que esta vez van a parar a una guardería que no es lo que parece. Mucha aventura en un marco nostálgico, que se cimienta sólidamente con la maestría que los estudios Pixar poseen. Es un filme que no debería terminar nunca. Para todas las edades.

OCTUBRE: Casablanca (1942) es la mejor de este mes. Humphrey Bogart es Rick Blaine, dueño de un bar en Casablanca (Marruecos) que recibe una visita inesperada; una mujer acompañada de su marido, que amó y perdió de un día para otro. Ambientada en la Segunda Guerra Mundial.
Notable película de Michael Curtiz que es recordada hasta hoy. Hay un buen trabajo por parte de los actores, la historia se mantiene en un excelente tono durante todo el metraje y tiene la virtud de ser acompañada por cómicos momentos. Jóvenes en adelante.

NOVIEMBRE: Una Serie de Eventos Desafortunados (2004) de Brad Silbering, relata las desventuras de los hermanos Baudelaire, que tratan de huir de su tío (Jim Carrey) que los quiere matar. Lo siniestro en esta película es su mayor don; es algo que sabe ocupar para que nos compadezcamos de los protagonistas... y para que nos ríamos al mismo tiempo. Para todo espectador.

DICIEMBRE: Danny Boyle dirigió Sunshine: Alerta Solar (2007), una película de ciencia ficción que nos transporta al Icarus II, una nave espacial con una inmensa carga de explosivos que va directo al Sol que está mueriendo. La misión no será fácil... sobre todo porque la nave anterior, el Icarus, que se pensaba desaparecido, ha vuelto a presentarse y, porque además, tienen el tiempo en contra. Suspenso a raudales bajo el sello único de Boyle. 

Los fanáticos de la ciencia ficción tienen que verla; no se esperen una cinta cualquiera. Lo que importa aquí es la historia, no los efectos especiales, que no tienen aún así nada de que lamentarse, a pesar de su cierta "digitalidad". Había dicho que era para adultos. Si bien es violenta, los jóvenes maduros también pueden disfrutarla.
ENERO: aunque Encuentros Cercanos del Tercer Tipo (1977) haya sido la única película que comenté en enero, vale la pena verla. Steven Spielberg es el director y escritor de esta otra cinta de ciencia ficción que nos lleva a conocer a Roy Neary (Richard Dreyfuss), un tipo que se obsesiona con la visión de unos ovnis. El misterio es lo que más se siente en este filme y los efectos especiales realmente impresionan para la época. Para todo espectador.

FEBRERO: para finalizar este aniversario, elijo a Conduciendo a Miss Daisy (1989) como la mejor del mes. La magnífica sencillez que Bruce Beresford le imprimió a su cinta, convierten a esta ganadora del Oscar a Mejor Película, como una excelente alternativa para relajarse un fin de semana, así como también para aquellos que buscan una película con mayor peso, no cualquier cosa.

Hoke Colburne (Morgan Freeman) es el nuevo chofer de la señora Daisy (Jessica Tandy), una anciana judía que posee un carácter fuerte, que dista bastante del de Hoke, que es más bien jovial y rebosante de vida. Para todo espectador.

Espero que hayan disfrutado esta revisión de las mejores películas que Cine para Cinéfilos les ofreció en este primer año de vida. La proxima semana vuelvo a analizar películas como acostumbro, aunque espero que de a poco lo vaya haciendo mejor. Hasta pronto.

7/3/11

UN AÑO (2010-2011)

Lamentablemente no puedo hablar de que celebro el aniversario de mi blog en la fecha que le corresponde: el cinco de marzo, pero más vale tarde que nunca.

Esta vez quiero hacer un recuento de las mejores películas de cada mes. Será algo que haré en dos publicaciones. Hoy comienzo desde marzo hasta agosto.

Hay análisis que ahora al recordarlos, los encuentro malos y eso puede opacar la virtud tras un filme que la crítica profesional ha halagado con mejores palabras que las mías. Esa razón no puede impedir que no coloque una cinta en esta "lista de oro". Así, les advierto que van a ver películas que quizás en el pasado no les parecían buenas.


Pero ya basta de discursos y empecemos a revisar, partiendo desde el mes de marzo del año pasado:

MARZO: La ganadora del tercer mes del año pasado es... El Bueno, el Malo y el Feo (1966).

El spaghetti western de Sergio Leone es una de mis películas favoritasLa razón es sencilla; cuando la vi por primera vez, hace algo más de dos años, me gustaron mucho el estilo de la película; el notable suspenso de algunas escenas; la música del maestro Ennio Morricone y también las gracias que aparecen en pantalla de uno de sus personajes: Tuco (Eli Wallach), quien a pesar de llevar una vida reprobable, no deja de divertir con su personalidad. 


La historia se centra en tres personas tras un tesoro, por el cual están dispuestos a todo, aún cuando se deban ayudar para encontrarlo. Película para jóvenes y adultos por la violencia y el lenguaje vulgar.

ABRIL: Esta vez le toca a El Gran Escape (1963), una cinta de acción basada en impresionantes hechos reales.

En la Segunda Guerra Mundial, unos prisioneros de un campamento nazi planean escapar cavando un túnel de proporciones épicas. La tarea no es sencilla y en esta película de casi tres horas, el ritmo se mantiene constante y la serie de personajes son notables y que aportan su grano de arena en esta historia dirigida por John Sturges. Para jóvenes en adelante.


MAYO: La película de mayo es Ratatouille (2007), representando, hasta ahora, al género animado.


La historia de la rata Remy que tiene el peculiar gusto por cocinar, es una inteligente y simpática comedia de Brad Bird, que se aleja de chistes infantiles, para ofrecer un producto de mayor calidad que harán pasar un rato agradable a toda la familia.


JUNIO: Esta vez es La Vida es Bella (1997) de Roberto Benigni, que protagoniza y dirige la historia de un padre judío que es enviado a un campo de concentración junto a su hijo pequeño. Para no asustarlo, inventa que todo es un juego.


Destaca el drama de la película, que se mezcla con situaciones cómicas en el afán de Guido de proteger a su hijo. La actuación de Benigni es muy buena y fue premiada con un Oscar. La banda sonora es muy buena como recalcó el lector Yuri Zhivago y también muy conocida. Este filme es para jóvenes en adelante.


JULIO: El ganador del mes que inicia el segundo semestre es Doce Hombres en Pugna (1957).


Según las estadísticas de Cine para Cinéfilos, el comentario de esta película de Sidney Lumet, es la entrada con más visitas. La razón puede apuntar a la magnífica historia que transcurre casi en su totalidad en un sólo lugar y que se sostiene por increíbles diálogos, emitidos por un jurado que debe decidir el destino de un chico. Sólo uno de ellos (Henry Fonda) tiene una "duda razonable" mientras el resto lo califica como culpable. Las actuaciones son magistrales y los personajes complejos y parecen representar algo en especial. Doce Hombres en Pugna es apta para todo espectador, pero será mejor apreciada por un público más maduro.


AGOSTO: El Pibe (1921) de Charles Chaplin es el líder del mes más macabro del año y también es el representante del cine silencioso.

El Vagabundo se encuentra un recién nacido que adopta y educa a su modo. Esa simple premisa basta para entregar una pieza de arte excelsa. Emotiva y chistosa, El Pibe se muestra también como una crítica social que es apta para todo espectador.


Con esta primera parte concluyo a los mejores de cada mes. Espero que les haya gustado. Nos vemos dentro de poco con la segunda parte y final, donde llegaré hasta febrero, para iniciar después otro año con historias dignas y que merezcan estar en este espacio virtual que nació una noche del cinco de marzo del 2010.

26/2/11

Conduciendo a Miss Daisy (1989)

Esta semana me alejo de los combates en mares lejanos, de encuentros cercanos del tercer tipo, terroristas y de la acción en general para concentrarme en una película más calmada; con una trama más cotidiana podríamos decir y, obviamente, que resulta ser un gran filme. Se trata de un trabajo del director Bruce Beresford, que en 1990 ganó el Oscar a Mejor Película.

Daisy Werthan (Jessica Tandy) es una anciana judía, cuya vida es ordenada y activa. Compra lo que necesita en el supermercado, se junta con sus amigas y maneja su auto... perdón, manejaba quiero decir, ya que aunque sea activa, los años van cobrando la cuenta. Boolie, un hijo suyo que es empresario, le contrata a Hoke Colburn (Morgan Freeman), un afroamericano, para que sea su chofer. Aunque Hoke sea bonachón y sencillo, y la señora Daisy sea estructurada y seria, entre ambos cosecharán una gran amistad, pese a sus claras diferencias.

Conduciendo a Miss Daisy es una obra maestra. Es sencilla y compleja a la vez. Por fuera pareciera no ofrecer gran cosa, pero por dentro es donde se muestra con todo su esplendor. Su gracia radica en los personajes y cómo se van desarrollando. En este aspecto todos aportan algo interesante.


Así podemos encontrar diversas personalidades que bien pueden reflejar, o representar, una idea. Hay diálogos en donde se filtra información interesante y que dan para hablar sobre temas que el tiempo convierte en clásicos. Por ejemplificar lo que les he dicho: en el momento de contratar a Hoke, a Boolie se le suelta la lengua (muy levemente)  cuando el futuro chofer de la señora Daisy menciona algo relacionado al matrimonio. No les doy más información para que lo descubran ustedes (y de paso así se animan a ver la película, espero).

Podemos notar por esa razón (entre otras) que en Conduciendo a Miss Daisy hay un notable trabajo tras la dirección. Es algo que últimamente he mencionado mucho en mis comentarios, pero creo que no puedo pasar por alto esa cualidad en esta cinta. Y también, si de dirección se trata, es destacable el hecho en que esta comedia se conforma, porque Hoke y Daisy Werthan dan pie para ser la "pareja dispareja", algo que en otros casos significaría un sinfín de situaciones absurdas y tontas, aquí se presenta con gran maestría y dignidad. En este sentido, repito que vale la pena aplaudir este filme, adaptado de una obra teatral que fue galardonada con un Pulitzer.

Está de más, creo yo, decir que Freeman y Jessica Tandy se lucen en su rol. De hecho,  ella por interpretar a la señora Daisy, se llevó el Oscar a Mejor Actriz Principal. Freeman no fue premiado por la Academia, pero hay que mencionar su gran actuación en Cine para Cinéfilos, sobre todo en ciertos momentos, tanto cómicos, como dramáticos.

Vale la pena mencionar el trabajo de los maquilladores en esta película. De hecho, uno de los Oscars fue por este aspecto. Pero... ¿por qué?, porque en Conduciendo a Miss Daisy, los años también pasan... y la gente cambia. Supongo que ya se estarán haciendo alguna idea, ustedes los lectores... no creo que haya gente que esté con el entrecejo arrugado tratando de adivinar a qué me refiero... y sobre todo por la pista que les acabo de dejar.


Antes de iniciar marzo, y a los que vivimos en el hemisferio sur, pienso yo que más precisamente en Chile, no es mala idea relajarse con esta estupenda cinta inteligente y profunda, que es apta para todo espectador. También en el norte del Ecuador, y en todo el globo en general, va mi mensaje, pero deben adaptarlo según su punto de residencia. Solamente les puedo decir que es un filme preciso para los que tienen los pelos de punta. Hasta luego.

15/2/11

Capitán de Mar y Guerra: La Costa más Lejana del Mundo (2003)

Últimamente he publicado críticas de películas con títulos muy largos y en esta ocasión creo que exageré, pero no así con el filme mismo, basado en las novelas de Patrick O'Brian y que resulta una excelente aventura llena de acción.

Jack Aubrey (Russell Crowe) es el capitán de la Surprise, un barco inglés que navega por el Pacífico en el marco histórico del imperio napoleónico. Será su misión enfrentarse a un peligroso barco francés, la Archeron, mientras él y su amigo Stephen Maturin (Paul Bettany), el doctor a bordo, deben lidiar con los problemas de la vida a bordo.

Peter Weir ha dirigido esta cinta con gran esmero, mostrándonos en un muy bien llevado a cabo guión, del cual fue coescritor, la vida en un buque. Su trabajo se ve en gran medida ayudado también por las actuaciones que resultan ser muy convincentes. En este rol destacan Crowe y Bettany, dándoles a sus personajes un estilo particular que logra simpatizar con el espectador.

La historia se ve cultivada por detalles. Debido a que es una cinta donde lo primario es la vida en el barco, Weir y su equipo no han dudado en no omitir pequeños sucesos que dan forma a personajes como es el caso de Stephen Marutin (estén atentos a su "pasatiempo"), y también a hechos y cosas para hacer más entretenida la apuesta. 

Y que más entretenido puede ser una batalla en una película de barcos. No hace falta decir que están muy bien logradas, quizás algo "digitales" si tomamos en cuenta los años que tiene ya el filme, pero que en resumidas cuentas, gozan de grandes cuotas de acción y adrenalina.

No me atrevo a hablar del realismo, pero supongo que debe ser bastante fiel a lo que en realidad fue todo lo que tiene que ver respecto a datos técnicos de los marinos, como el lenguaje y la disciplina en la vida a bordo, donde Weir pudo haber dejado un rastro político sobre la autoridad que deben ejercer las personas encargadas en guiar a una sociedad. Este papel lo manejaría en ese caso Jack Aubrey, que debe sobreponerse a sus ideas y gobernar la nave con un afán de servicio. Pero si no fuera esa la idea de Weir tras la película, no está de más decir cómo debe ser manejado el poder (digo esto sin la intención de alabar a un partido político en particular) ya que he tocado este tema.

Capitán de Mar y Guerra cuenta también con tomas espectaculares de paisajes y el mar. En ella se aprecian con gran nitidez imágenes de islas y asimismo del barco. Resalta mucho este aspecto técnico; hay una buen trabajo con la iluminación (aunque con un dejo digital en ciertos casos) y también con la cámara, que es ubicada en los lugares precisos en especial en las tomas de mayor dramatismo.

La ambientación es una cosa digna de hablarse, porque en la película aparecen tomas en altamar (eso pudo haber sonado raro). Para Capitán de Mar y Guerra, usaron dos barcos y uno de ellos si surcó el océano, y puedo decir que es un barco impresionante (no sé exactamente qué tipo de nave puede ser; lo más probable es que sea una fragata), los amantes de la mar puede que se alegren con esta obra audiovisual.

Capitán de Mar y Guerra es un filme interesante, muy entretenido y con una idea argumental parecida a Vivir al Límite de Kathryn Bigelow, en el sentido en que muestra el día a día de los personajes según el lugar en que se encuentran. Disfrútenla los jóvenes en adelante, debido a ciertas expresiones y diálgos, además de  la violencia que incluye.

La imagen de Russell Crowe pertenece a Caroline Bonarde, fue encontrada en Wikimedia Commons y adaptada para su uso.

3/2/11

El Niño con el Pijama de Rayas (2008)

Un poco más de un mes sin escribir. Algunos pensaron que quizás había abandonado Cine para Cinéfilos. Otros bien pudieron haber razonado que las cosas de la vida me impidieron conectarme lo suficiente para poder escribir. También otros lectores debieron pensar que ya no tenía una película para comentar. Dos de esas teorías respecto a mi tiempo de desconexión son ciertas: no tuve el tiempo suficiente para conectarme y tampoco tenía una película para analizar. Sin embargo eso es algo del pasado, pues hoy una notable producción del director Mark Herman se hace presente en mi blog.

El Niño con el Pijama de Rayas nació como un libro escrito por John Boyne (en la foto). Seguramente muchos conocen eso. Y con más seguridad deben saber de qué se trata, ya que esta historia, que tuve el privilegio de leer, causó gran revuelo cuando apareció en las librerías de Irlanda y después de todo el mundo. En el libro no se daba a conocer explícitamente todo el argumento, sino que era el lector el que lo iba descubriendo, pero la publicidad, y la misma película, revelaron indiscriminadamente la historia.

Por eso, si hay alguien que no está al tanto del argumento del filme (e incluso del libro mismo) sugiero que no lean más allá de este párrafo, porque para hablar de esta cinta necesitaré contar de qué se trata, lo que significa sacar nuevamente a luz algunos detalles que la conforman. Lean el libro antes, es realmente recomendable que lo hagan; es corto, no pierden el tiempo y se divierten. No es un libro que vayan a olvidar, como dicen de la crítica de The Australian.

En el Berlín de la Segunda Guerra Mundial, existe un  niño de nueve años llamado Bruno. Su padre, ha sido ascendido a comandante del partido nazi y por lo tanto tiene un nuevo puesto, lejos de su ciudad. De este modo, se muda con toda su familia a una casa, donde Bruno se aburre como ostra,hasta que descubre desde su mirada infantil, un secreto sobre ese lugar, que lo llevará a conocer a una persona con la que entablará amistad.

Sin duda, el mayor logro de esta cinta es la capacidad que tiene para amortiguar, en cierto modo, el peso de la publicidad sobre la historia, porque si en el libro el atractivo principal era el descubrimiento, por parte del lector, de la trama, probablemente no era buena idea hacer una copia exacta del texto. Algo que al principio puede resultar una lástima, pero que después cobra sentido, ya que se debía mantener el ingrediente del misterio. Si Herman se hubiera decidido por rodar una película que sea reflejo del libro, no habría sido igual de atractivo. Estoy de acuerdo en que es penoso ver una película que no se parece al libro, pero en este caso, terminé pensando lo contrario. Si bien el libro sigue siendo mejor, la película goza de gran calidad.

 Por esta razón El Niño con el Pijama de Rayas está muy bien dirigida.  Además el talento del director para mostrar emociones u hechos es bastante interesante. Tal es el caso de Bruno al llegar a su casa nueva, donde podemos notar con originalidad cómo debe sentirse. También en otros aspectos cabe destacar la escenografía, el vestuario y todo lo referido a la ambientación, que se consigue (sólo es una interpretación), al menos en la nueva casa, con un toque infantil o al menos vanguardista.

Un detalle de la película que vale la pena decir es su agilidad. La historia se desenvuelve con gran rapidez y en 94 minutos cuenta todo lo que debía contar. Quizás se pueda decir que haya sido necesario más minutos de duración, pero el tiempo que se toma le calza perfecto y logra crear una buena historia que si bien dista mucho del libro, fue (lo más probable) por necesidad.
  
No hace falta decir que es una película sobre la amistad y que reflexiona muy bien el tema de la dignidad de la persona, en donde se pueden ver las dos caras del hombre: desde la peor hasta la mejor. Y es más interesante el hecho de que aparece desde el punto de vista de un niño, en donde la inocencia se enfrenta a la dura realidad. Por eso sugiero nuevamente que lean el libro antes de ver el filme (esto lo dirijo principalmente para los que no pudieron aguantar la curiosidad y leyeron cuando les advertí que se detuvieran). 


Para terminar, aviso que la película es para jóvenes en adelante (más que nada por los temas complicados que toca) y que hace un tiempo atrás habilité un correo para que me pregunten sus dudas respecto a cintas que he comentado en el blog. Hasta la próxima.

La foto es de Maggie Hannan y fue encontrada en Wikimedia Commons.

En el cuarto párrafo, referido a la trama del filme, he hecho una corrección: el padre es ascendido a comandante, no lo era anteriormente como se podía entender según había escrito el día 3 de febrero (hoy es 4 de febrero de 2011).

1/1/11

Encuentros Cercanos del Tercer Tipo (1977)

Primero que nada, les deseo un Feliz Año Nuevo. Hoy, 1 de enero de 2011, les recomendaré otra película de ciencia ficción. Como Sunshine, esta cinta no se contenta con ofrecer un simple espectáculo, debido a que la calidad de su historia (escrita por Steven Spielberg, quien además la dirige) es tan alta, que difícilmente es capaz de aburrir. Si quieren saber el porqué, les recomiendo que lean mi comentario.

Roy Neary (Richard Dreyfuss), es un hombre común y corriente, padre de una familia y cuyo trabajo está ligado a la electricidad. Su vida transcurre con normalidad, hasta que una noche recibe un llamado de su labor; debe salir inmediatamente. De este modo se sube a su camioneta y parte rumbo al deber. Sin embargo no tiene muy claro dónde queda el deber, por lo que consulta un mapa. En ese lapso de tiempo ve algo que no puede creer ¡Sorpresa! ¡Platillos voladores!. Después de ese avistamiento, su vida no será la misma de antes.

Esta estupenda historia cautiva de principio a fin. Muy bien dirigida por Spielberg, la película se mantiene estable en su hilo conductor por los acontecimientos que le suceden a Roy; personaje muy bien interpretado por Dreyfuss. Algo que le resulta muy bien en su interpretación es la personalidad un poco infantil de Roy. Una escena fantástica donde queda muy bien retratada esta característica se da al principio, cuando su hijo le pide ayuda en su tarea de matemáticas.

Otro actor que se destaca en su rol es François Truffaut, quien interpreta a un francés (él mismo en la vida real era de esa nacionalidad, dato que se puede deducir por su nombre), que también está detrás de los eventos ufológicos que han obsesionado a Roy. Según los realizadores de Encuentros Cercanos del Tercer Tipo, fue un honor tenerlo entre los actores y no defraudó a nadie con su interpretación; de hecho, su personaje es muy interesante.

Ahora deteniéndome más en la historia, cabe decir que es excelente. Su desarrollo es fenomenal y posee la particularidad de atraparnos, pero sin ser debido al suspenso. Yo no diría que en la cinta haya suspenso propiamente tal, hay algo así como emoción. Encuentros Cercanos posee mucha emoción que conduce muy bien, y todo gracias a la obsesión de Roy, cuyas acciones lo llevan al límite. Más de alguna escena de este filme habrá sido parodiada en otras obras audiovisuales. Los que se animen a verla, lo descubrirán con facilidad. Y sobre la emoción, esta también se traduce en risas por sutiles chistes muy divertidos y en otras situaciones que ni siquiera son chistes, pero que igual sacan una que otra carcajada.

John Williams se encarga de las notas musicales que acompañan al filme. Su música es muy buena. Llena de ritmo y muy conocida por una melodía de corta extensión, a más de uno le va a gustar. Según Spielberg, sus obras se constituyen como un personaje más de la acción, lo que en Encuentros Cercanos resulta ser verdad.

Obviamente no puedo dejar de lado los efectos especiales de esta producción. En resumidas cuentas son muy buenos para la época en que se realizaron. En una entrevista con el director Steven Spielberg, él cuenta que ciertos efectos iban a hacerse mediante computadores. Sin embargo, estos fueron  hechos mediante trucos fotográficos y hay que reconocer el tremendo esfuerzo que implicó. Estén muy atentos a ellos, ya que no dejan de impresionar por su original calidad.

En fin, Encuentros Cercanos es una increíble película, con excelentes actuaciones, con una historia absorbente y que goza de buenos efectos especiales, que cautivará a toda clase de público: desde niños terrícolas hasta abuelos terrícolas. Para terminar: estén atentos al cielo.

La foto de Steven Spielberg pertenece a Helene C. Stikkel y es un recorte de la versión original que está en Wikimedia Commons.