A la Hora Señalada (1952)

A la Hora Señalada es uno de los westerns más conocidos de la Historia. Tiene a su haber unos cuantos premios Oscars (me parece que cuatro), entre ellos Mejor Película y Mejor Actor Principal. Entre algunos amigos he escuchado que tienen una buena impresión de este filme. Y esto es verdad por varias razones. Pero antes, veamos de qué se trata.

William Kane (Gary Cooper) es un sheriff que se está casando. Termina el matrimonio y le avisan que escape de la ciudad, pues un peligroso criminal que había enviado a Washington para ser ajusticiado, va a llegar con un motivo más que claro... y no viene solo; lo siguen unos cuantos matones (entre ellos Lee Van Cleef, de El Bueno, el Malo y el Feo). La gente le insiste que escape, pero Kane es un caballero y no está dispuesto a huir. Se enfrentará ante este villano. Pedirá ayuda entre sus conciudadanos, pero nadie parecerá dispuesto a acompañarlo...

Fred Zinnemann es el director tras esta cinta contada en tiempo real. Característica que le da un dramatismo especial, porque, tal como dijo un amigo, engancha al espectador. El suspenso y el dramatismo están muy bien logrados. Esto se nota principalmente en la gran actuación de Cooper, junto con la de otros personajes secundarios y en la excelente música de Dimitri Tiomkin, que en conjunto forman una atmósfera des desesperanza.

En este punto es interesante detenerse. Esta película la vi en el colegio y el profesor, luego de haberla terminado, empezó a explicarla. Explicarla, pues es una historia que esconde un mensaje con algunas (o todas las) situaciones que la conforman y con los personajes en general. Por ejemplo, el hecho que de Kane quiera combatir y no arrancar como cualquiera de nosotros lo haría en una situación así, es una exhortación a hacer lo mismo, pero en el marco de aquellos años, en que Estados Unidos y Rusia estaban en la Guerra Fría (no hubo combate alguno en ella, vean el enlace que les dejé hacia Wikipedia). Ante este panorama, los que la vean, conversen después sobre esto. También otras acciones de Kane son representativas. Estén muy atentos en una escena en que pide que lo limpien, no se los diré para no ser un "aguafiestas".

El trasfondo moral también es interesante; pues Kane fue un sheriff siempre al servicio de su comunidad, y cuando necesita desesperadamente ayuda..., nadie es capaz de levantar un dedo casi. Pues es verdad, admitámoslo; es más cómodo ser el "pasivo" de la acción, es decir ser el "ayudado" y no el "ayudador". Es algo, que podría decir que nos pasa a la mayoría. Y en este aspecto A la Hora Señalada deja una moraleja... y visto así, la película sería una fábula que viste de cowboy.

Las actuaciones, como dije anteriormente, son muy buenas. Cooper demuestra un gran talento con su dramática interpretación. Y para resaltar esto están los primeros planos que muestran su atribulado rostro, mientras camina buscando apoyo. Otros actores también dan su aporte con muy buenos diálogos. Un ejemplo de ello se da en una gran conversación entre Kane y un viejo al que le pide ayuda en su problema. Me parece que este era el antiguo sheriff.

Realmente una excelente cinta, que, tal como he visto en otros sitios de internet (que ahora no recuerdo), es un western poco común, que escapa del estándar que siguen muchos otros, y un clásico del género que vale la pena ver. Los que lo hagan no se arrepentirán y pueden hacerlo en familia, pues es apta para todo público.

Toy Story 3 (2010)

Es curioso que empiece a escribir de una película partiendo no por la primera entrega, sino que por la tercera parte. Pero existe una razón que explica el misterio de esta elección: estaba buscando una película más reciente para contrastar las clásicas, que poco a poco iban amenzando con ser lo único que escribía. Eso si, tengan en cuenta, que probablemente la próxima analice una de esa categoría, debido a determinada razón.

Toy Story seguramente es una saga conocidísima por todo el mundo. Son films divertidos que van mucho más allá de lo que podemos ver en la pantalla, como Pixar suele hacerlo (trataré que la próxima cinta animada no sea de esta compañía). En el caso de esta película, reconozco que existían momentos en que no quería que la acción terminara, pues son personajes muy entrañables los que presenta y también porque..., me mataba de risa. Pero bueno, vamos a lo que nos importa.

Andy tiene dieciocho años. Pronto dejará su casa y sus amados juguetes (los que quedan) que pasan la vida encerrados en un baúl. Woody (Tom Hanks) y sus amigos desean únicamente que vuelvan a jugar con ellos..., oportunidad que les llegará cuando accidentalmente sean enviados a una guardería, un lugar que no es lo que aparenta.

Esta obra maestra de la animación, dirigida por Lee Unkrich, destaca por muchas cosas. En primer lugar lo que salta a la vista, y una de las mejores cosas, es volver a ver a los antiguos personajes, tan carismáticos y divertidos, que todavía no pasan de moda. A ellos se les unen otros nuevos, muy destacables y complejos algunos de ellos, como Lotso, un oso de peluche muy especial, ya que es un personaje que da para reflexionar.

Algo que Toy Story 3  sabe hacer es manejar las emociones. Es capaz de ir desde la risa (que no falta en casi ningún momento), pasando por el suspenso, hasta la nostalgia. El manejo que hace con ellas, en conjunto con la potencia del guión crean una historia única, fuerte y que vuelve a colocar a Pixar en la cima de la animación. No es una historia superficial. Es una historia que reflexiona sobre la madurez; crecer, abandonar etapas para acoger a otras, y la dificultad que acaerrea eso, ingeniosamente visto desde los juguetes, que puede que también necesiten madurar.

Esta es una película que le gustará a toda la familia por su ingeniosa maestría, su profundidad en los personajes, situaciones y obviamente, por su chistes. Muy buena,. Una película totalmente posible para verla con amigos, aunque los que se junten tengan 99 años.

La imagen del director es un recorte que saqué de Wikimedia Commons, perteneciente a Nicolas Genin.

Gunga Din (1939)

Supe de esta película hace un tiempo atrás por un diario que estaba promocionando clásicos. El título me llamó la atención, no sabía si había escuchado antes sobre él, pero me quedó dando vueltas, hasta que tuve la oportunidad de verla por televisión. El resultado: una muy buena cinta, una antigua superproducción por sus características (ejércitos, explosiones, panorámicas de luchas), que mezcla en perfecta armonía la acción y la comedia. La mayor parte de los votos de la encuesta de este blog reconoce a este género como el favorito. Gunga Din propiamente tal no es una comedia, pero tiene elementos jocosos que a más de uno le van a gustar. Sino, es una, pero más "tranquila". Pero bueno, mejor les cuento de que se trata:

Son tres historias paralelas. Gunga Din es el nombre de un indio repartidor de agua en un regimiento inglés ubicado en la India, le gusta mucho el tema del ejército y es amigo del soldado Cutter (Cary Grant, en la foto, pero más viejo), quien junto a su colega McChesney, quieren convencer a su compadre, Ballantine, que no deje el ejército, pues va a casarse. Mientras tanto deben lidiar con el tormentoso peligro de los Thug, un grupo indio que venera a la maléfica diosa de la muerte: Kali.

Me llamó la atención el tono humorístico de Gunga Din. Pensé que podía ser algo más seria, y no fue así, primero pensé en un drama, y me equivoqué. Sin embatgo esto no merma la calidad de la película. Tiene pequeñas fallas, pero estas pasan, por su intrascendencia (más que nada son errores conscientes de los realizadores quizás, una de ellas pasa con la mecha de una dinamita y unos actores, una combinación un tanto peligrosa...). Pero volviendo a lo que nos interesa, el humor tratado es muy bueno. Son chistes que sacarán más de una carcajada y esto producto de los tres soldados, especialmente de Cutter y McChesney y el mismo Gunga Din.

Cada uno de ellos se destaca por algo en especial. Gunga es alguien tan inocente como un niño y muy fiel. Cutter es un sujeto un tanto inmaduro y ambcioso, pero carismático. Ballantine es inteligente y más serio, y McChesney va por la misma línea que Cutter, pero es más serio a la hora de trabajar, quizás por su mayor edad. Estos cuatro personajes son muy curiosos. Sus personalidades dan forma a la historia.

Sin embargo, ante tales personalidades (que no cansan para nada), existe un equilibro con el malvado antagonista, jefe de los Thug, grupo o secta, que mata por "el amor a matar". Es alguien inteligente y peligroso. Uno de sus diálogos resalta mucho, se refiere a la guerra y la muerte. Vale la pena reflexionar sobre lo que dice. Armar un cine foro es una buena idea luego de ver Gunga Din.

Aunque no todo el tiempo es humor... hay partes en que alcanza la emotividad de un drama, y en este campo se maneja muy bien. Compruébenlo ustedes.

La música de la película es muy buena, por su instrumentación y los ritmos adecuados en cada escena. Una muy interesante se da con Gunga, quien imita los ejercicios que hace el regimiento. La música lo muestra como un niño, a pesar de que ya no lo es. Y a la vez tiene un ligero toque melancólico, su lado dramático, pequeñísimo quizás y muy subjetivo, pero notorio para mi gusto.

Sobre su carácter de superproducción, puedo decirles que se maneja muy bien. Con agilidad muestra intensos combates y luchas muy bien coreografiadas, cosa que me pareció divertido. Hay escenas realmente impresionantes, donde aparecen cuantiosos ejércitos, a caballo y pie. Quizás haya un truquito por ahí para haber realizado tal hazaña, como haber usado los mismos extras en distintos roles.

Me llegué a acordar de Lawrence de Arabia -mi primera película en el blog-, viendo esto. De hecho puede que David Lean, director de esta última, en algo haya basado sus escenas del ejército árabe viendo Gunga Din, pero supe por un profesor que él se vio influenciado por un director ruso para filmar las suyas. Sin embargo lo que digo no es descartable, ya que pudo haber usado esas dos fuentes. Incluso ahora se me ocurre que Stevens haya hecho algo similar a Lean, pero... ¿Quién sabe?... sólo estoy haciendo suposiciones.

En fin, Gunga Din es un excelente filme de acción y con un humor muy divertido. Una vieja superproducción recomendable para todas las edades (y los interesados por el cine clásico), a pesar de que sea algo violenta.

La foto es de Allan Warren y la tomé y adapté de Wikimedia Commons.

Justo en la Mira (2008)

Esta semana la película es algo más "contemporánea" que las pasadas (y dicho sea de paso: el análisis es más cortito), pues es muy entretenida y maneja muy bien el suspenso.

La acción se desarrolla en España. El presidente de Estados Unidos está allí debido a una alianza con otros países y va a pronunciar un discurso..., cuando de repente, ocurre un atentado terrorista: le disparan. Lo que vemos en la pantalla son ocho puntos de vista de lo acaecido; entre ellos un turista (Forrest Whitaker), una periodista (Sigourney Weaver) y un rudo agente secreto (Dennis Quaid), quien se hará cargo del espantoso caos que reina.

Esta película me gustó mucho. No es perfecta, pero cumple con su objetivo que es entretener. Entretención con toneladas de acción (balas, persecuciones, gritos, etc.) y suspenso ("¿qué rayos pasó?", "¡oh, así que eso era!", "¡nooo!" y otras exclamaciones de esa índole).  Destaca mucho en eso último, como les dije antes, porque la historia se va construyendo de a poco, y de este modo, los espectadores nos quedamos atrapados en el asiento, esparando a ver cómo va a terminar la historia, porque con cada giro se adquiere una nueva perspectiva.

La historia es muy inteligente. Su director, David Travis, supo dirigirla muy bien. Se preocupó de los detalles que la impulsan. Pueden imaginarla como una telaraña. Una telaraña que se va construyendo de a poco ante nuestros ojos. La principal misión del cine es entretener, y esta cinta destaca por eso. Detrás de las cámaras se nota un  gran esfuerzo realizado.

Debo admitir que quizás no se le pueden hacer mayores lecturas, pero me puedo servir de este argumento para colocarla en este blog: el cine nació para entretener. Justo en la Mira en verdad que no es mala opción para escogerla si alguna vez la ven con amigos, o si la están presentando por televisión. Pueden pasar un buen rato con ella, pero debido a la violencia que contiene es para jóvenes y adultos.

La foto, de Dennis Quaid, no es de la película y la saqué de Wikimedia Commons, gracias a la cortesía de Joey Gannon. Adapté la foto para mis necesidades.

El Hombre que mató a Liberty Valance (1962)

Sé que la semana pasada ya hablé de un western. Pensaba no comentar esta película por esa razón, sino hasta un tiempo más adelante, y porque aparte el elenco es casi el mismo. Sin embargo no sabía que otra cinta elegir, y dentro de todo El Hombre que mató a Liberty Valance es una joya que da para hablar...

James Stewart es Ransom Stoddard, un abogado que es atacado mientras viajaba por un facineroso llamado Liberty Valance (Lee Marvin). Lo encontrará Tom Doniphon (el siempre rudo John Wayne) herido, y será llevado a Shinbone, un pueblecito que tiembla al oír el nombre de Valance. Los problemas para Ransom están por comenzar...

John Ford nos presenta esta película de un carácter bastante profundo. Muchos personajes y situaciones tienen un contexto que deben subentenderse. No es un western que se quede ahí superficialmente con el único fin de entretenernos. No, es un western que ahonda en temas que bien podrían ser de política (no pienso mostrarme partidario de algún movimiento). Esto es algo interesante, porque todo va encajando a la perfección. Si bien destaca por aspectos técnicos a los que pronto me referiré, quiero detenerme primero en lo que no vemos de este iceberg, en cosas que probablemente el director tenía la intención de mostrar.

Como quiero conseguir que en este blog pueda invitar a la gente a ver buenas películas, trataré de no dar mayores rasgos del desarrollo de El Hombre que... (ejem... es bastante largo el nombre) para no arruinarles la trama. Sin embargo hay cosas que si se pueden contar.

Una situación destacable se da con un personaje muy interesante; es Pompey, un trabajador negro de Tom. No es un esclavo. La gente lo respeta y lo trata bien. Asiste a unas clases que empieza a impartir Ransom. Hay un momento de la película en que le preguntan como parte la Constitución de Estados Unidos, y la empieza a recitar, pero llega a un punto en que no sabe como es que sigue..., que es que todos los hombres somos iguales. Atrás suyo, colgado en una pared, se encuentra un cuadro del presidente Abraham Lincoln (que bien podría haber estado gobernando en el tiempo en que se ambienta el filme), que se oponía a la esclavitud...

Otra cosa digna de mencionar es a Liberty Valance; un personaje muy singular. Está muy bien interpretado por Lee Marvin y tiene un aspecto bastante estrafalario. Puede simbolizar una idea importante y que debe ser tomada en cuenta. No es un "malo" porque sí. Ustedes lo podrán notar cuando la vean, y no voy a referirme a esa idea ahora, para no arruinarles la película, pero si alguien quiere saber cuál puede ser, deje un comentario abajo y yo le responderé personalmente.

Un detalle interesante se encuentra en que la película está en blanco y negro, esto pertenece a los aspectos técnicos, y es una gran elección no haberla rodado en colores creo yo. La atmósfera conseguida y la historia misma no podían haber sido mostradas de otra manera. Shinbone es un pueblo oscuro y bajo el yugo de Valance, ¿acaso tan feliz panorama podía ser pintado con el hermoso Technicolor?. Es el mismo caso con la espectacular cinta Doce Hombres en Pugna.

La película en sí también es simple. Pero en el buen sentido de la palabra. No presenta grandes escenarios como lo hace Más Corazón que Odio y tampoco una gran historia (esto por lo que he leído, pero la vi y puede que sea verdad), pero el modo en que se desarrolla y los personajes carismáticos que presentan (fíjense en el periodista interpretado por Edmond O'Brien) la hacen única.

El Hombre que... (de nuevo la misma causa) es para todo espectador.

La foto (es un recorte de una más grande), de James Stewart, no pertenece a la película. La saqué de Wikimedia Commons.

Más Corazón que Odio (1956)

Más Corazón que Odio es un western que en su versión original se titula The Searchers. Lo dirigió John Ford y fue protagonizado por John Wayne, Jefrey Hunter y Vera Miles.

Wayne interpreta al frío y áspero Ethan Edwards, un veterano de la Guerra Civil, que llega a la casa de su hermana después de mucho tiempo. Cuando esta sea atacada por los indios comanches junto con la desaparicíon de su sobrina más pequeña, emprenderá una larga búsqueda para hallarla. Una búsqueda en donde lo acompañará Martin Pawley (Hunter), quien tiene ascendencia india. Cosa nada buena, porque Ethan siente un desprecio que cae en el racismo hacia los indios.

Más Corazón que Odio es buenísima. Sabe mezclar el drama, la acción y el humor a la perfección. Destaca también en su aspecto visual, ofreciendo imágenes espectaculares y de excelente calidad y la música de Max Steiner.

Algo que vale la pena mencionar en esta cinta son sus personajes. Todos tienen diversas personalidades. Eso si, sin caer en un muestrario de bichos raros (excepto uno, que ya lo verán). Podemos destacar los casos de Ethan y los indios, también.

Ethan odia a los indios. La búsqueda por su sobrina, Debbie es su nombre, pareciera ir más allá de lo que vemos en la pantalla. Pasan los años y no la encuentran. Aún así no se rinde. Lo que mueve a Ethan puede ser otra cosa. Que lo acompañe alguien como Martin (y tolerarlo, pues su actitud es temeraria e inmadura), ya es un logro.

Los indios son retratados con el clásico estándar de las películas de vaqueros antiguas. Son malos y hasta despreciables, tal es el caso del antagonista Scar, pero siempre abrá alguno que rompa con los cánones que se tiene. Aún así no quiero ofender a nadie, si hay alguien que tiene alguna relación con ellos.

Aprovechando que hace unos meses atrás publiqué el análisis de un spaghetti western (El Bueno, el Malo y el Feo), me parece interesante comparar los estilos entre los westerns italianos y los americanos.

En primer lugar, por lo que he visto en internet y en las películas, y he sabido por unos profesores, se ve claramente un contraste en el aspecto visual. Los westerns italianos son más "sucios", mientras que los americanos no. ¿Cómo es esto?, se puede ver en los edificios y en la ropa. En los primeros, los edificios se ven más desgastados y burdos. En los americanos son pulcros y bien presentados. Con la ropa ocurre el mismo cuento. Las muertes son mucho más exageradas en los italianos también; si disparan a alguien, va a girar sobre si mismo y caer teatralmente. En los otros simplemente caerá sin tanto show. Hay una exageración en la mirada europea del Lejano Oeste; es mucho más dramática.

Pero en fin. Si quieren ver una buena película de vaqueros, elijan esta. Entretiene y también hace reír; algo que también aporta. Para jóvenes en adelante (no todo espectador, como había dicho antes; modificación: 7 de octubre de 2010).

Dos cosas más: La imagen, de John Wayne, no pertence a la película, y espero que les haya gustado el nuevo cambio de la página.

Rudy (1993)

Últimamente he publicado varias películas -excelentes películas, enfatizo- en blanco y negro y hoy terminé de ver Rudy. Un filme, en colores, que vale la pena ver... y comentar por su puesto.

Rudy Ruettiger (Sean Astin) aspira a convertirse en un jugador del equipo de fútbol americano de la universidad de Notre Dame. Su mundo gira en torno a eso, y por lo mismo pondrá todas sus ganas en ese empeño, pero le falta la condición física para ello. Aún así, está dispuesto a todo y contará con la ayuda de varias personas.

La película, además de ser entretenida, también tiene sus puntos interesantes. En primer lugar, analizando sus aspectos técnicos, puedo decirles que destaca enormemente la banda sonora de Jerry Goldsmith, que acompaña con bastante precisión momentos dramáticos de la cinta. En las notas -rápidas en varios casos, y altas también- de sus partituras se aprecian las situaciones por las que va pasando Rudy; como va luchando por sus sueños, como se va pegando porrazos también, y finalmente como se levanta...

Esto es destacable en la película. Es una historia -basada en una real- de superación. Rudy irá aprendiendo las enseñanzas que dejan las vivencias por las que pasa. Y sobre este aspecto moralizante me gustaría detener.

David Anspaugh, el director, cuenta la historia de un sujeto que da la impresión de ser de origen irlandés (o irlandés derechamente). También el ambiente en el que se mueve, la universidad de Notre Dame, tiene relación con esa nacionalidad, ¿que se desprende? (tocando este tema con cuidado, pues no todos lo son), que hay un gran catolicismo a lo largo de la cinta. Por lo mismo hay varias escenas en donde tratan de ayudar a Rudy, en donde está alguna imagen religiosa detrás, en segundo plano. ¿Pero, por qué puede ser interesante?, por el enfoque que se le da.

El director quizás asocia el aspecto moralizante de la historia desde un punto de vista más trascendental, sin caer en la mirada más universal en donde se ve de manera más humana esta virtud. Claramente nosotros, los humanos, no podemos arreglárnoslas solos en lo que nos proponemos. Necesitamos de la ayuda de un Ser Superior.

Pensando de este modo, también la película es bastante valiente de mostrarse así. Y en eso tiene agallas; otra virtud, y otro aspecto en la que destaca esta excelente cinta, apta para un público más adolescente, la calificación es para todos los públicos, a pesar de algunas groserías menores.

La información sobre el año de Rudy es de IMDb.